奇抜な建築MONOSPINAL（モノスパイナル）、建築家山口誠による設計の建築作品。独特な存在感を放つ建築の撮影依頼を受け撮影方法を模索する中で、建物から受け取った印象が、以前BAUHAUS建築（ドイツにある造形学校）を撮影する際に用いた絵画のようなトーンや、立体物を平面に変換する手法を利用できると考えた。ゲーム会社の社屋を、仮想空間に突如として現れた奇抜な建築物としての異物感そのままに情緒を排し熱量を抑え、建築物にあたる太陽光の向きや、薄めの雲でディフューズされ微かに残った光を待ち、壁面の質感や立体感を表現し、ギリギリのところで実際の建築物を想像できるくらいの抽象性を狙って撮影された作品は、容易に説明しがたい建築が写真の形で表出された。 MONOSPINAL（モノスパイナル）——。山口誠の設計によって東京・浅草橋に姿を現したこの建築は、外観を9層の斜壁に囲まれ、中の様子を窺い知ることはできない。空へと向かって広がる逆勾配型の斜壁は、高架線路や雑居ビルが密集する街において周囲からの音、光、風をコントロールし、建築に高い自律性をもたらしている。瀧本幹也は、この容易には説明し難い建築を見たとき、自らの写真で捉えてみたいという衝動に駆られたという。MONOSPINALが持つ幾何学的な線と面に着目し、それを手がかりとして、4×5インチフィルムの大判カメラで切り取っていくことを試みた。本展では、そこで生まれた10点の写真作品を掲出する。 “部分”にフォーカスしたこれらの写真は、情報が削ぎ落とされ、無機的に描かれた絵画のようである。しかしよく見ると、撮影時に緻密に計算された光の影響で斜壁の質感が残されており、それが生きている建築であることを教えてくれる。建築を撮るという行為は、建築家が二次元から三次元に起こしたものを、再び二次元に変換する作業だと瀧本は語る。そのとき、写真家の建築への眼差しが表れる。本展を訪れた人は、建築家と写真家の関わりによって再構築されたもう一つのMONOSPINALに出会うことになるだろう。MYD Gallery (Tokyo)

The striking building MONOSPINAL is a work of architecture designed by architect Makoto Yamaguchi. When I was commissioned to photograph this architecture with its unique sense of presence I searched for a way of photographing it. From the impressions I got from the building, I thought I could use a method of converting a 3D object into planes, and the painterly tones that I used when I photographed BAUHAUS (German art and design school) in the past. In photographing these works I aimed for an abstractness that would still just allow viewers to imagine the actual building, expressing the 3D feel and texture of the walls with the dim remaining light diffused by thin cloud and the direction of the sunlight hitting the building, leaving out emotion and suppressing the heat level, just leaving the sense of this striking building being a foreign body, something that has suddenly appeared in a virtual space, as a game company’s office building. In so doing, I have given photographic expression to architecture that is difficult to explain in simple terms. MONOSPINAL——. This building appeared in the Asakusabashi area of Tokyo by virtue of Makoto Yamaguchi’s design, externally surrounded on the outside by sloping walls on 9 stories, making it impossible to tell what is going on inside. The slope of the walls is reversed to face the sky and control the sound, light, and wind from the surrounding neighborhood crowded by an elevated railroad and multipurpose buildings, giving the building a strong sense of autonomy.　When Mikiya Takimoto first saw this difficult-to-describe building, he independently felt the strong compulsion to capture it through his photography. He endeavored to capture MONOSPINAL with a large format camera using 4 x 5-inch film, focusing on its geometric lines and surfaces, using them as a way in. This exhibition displays 10 photographic works created out of that endeavor.　These photos focus on “parts,” like pictures painted inorganically, information pared back. But when you look more closely, you see that before he pressed the shutter button he made minute calculations to do with the effects of the light, which captures the texture of the sloping walls, telling us that this is a living building.　While architects render 3 dimensions out of 2, Takimoto tells us that the act of photographing architecture is the task of converting them back into 2 dimensions. In doing so, the way the photographer sees that architecture becomes apparent. Visitors to this exhibition will encounter another version of MONOSPINAL, one that has been reconstructed out of the connections between this photographer and this architect.

PARIS PHOTO 2023の期間に合わせ、会場のOGATA Parisでは館全体を展示スペースとし、個展を開催。2022年に開催した『En Sô Shin』の展示は、小さなウイルスに翻弄される人間も自然の一部であることを改めて認識させられ、大自然の循環の中に存在していることを表しました。『CHAOS 2023』では地球全体を様々な角度から捉えた作品が、身近な自然にもつながっていることを認識し、マクロからミクロへと緩やかなつながりを表現しました。海面に揺らぐ光の粒を採集し移りゆく海の表情を捉えた「GRAIN OF LIGHT」、 火山や海 、雪山など静謐かつ雄大な地球の姿に迫った「FLAME / SURFACE」、「SNOW MOUNTAIN」シリーズのほか、最新作の花や寺の池など密やかな祈りの情景を写しとった「円・相・心」より厳選した16点を展示。 OGATA Paris (Paris) 厳冬の雪山で、自然と人の結界を目撃した。壮大な景色は人智の及ばない自然が創り出したもの、地球は宇宙の一部であると実感した。地球は四十億年の歳月をかけ、噴火と海の創造を繰り返し、息を呑むほど美しい自然を彫り上げてきた。その中で日本では禅の文化が花開き、人は小さな庭園に大自然を投影した。一滴の雨粒が小さな波紋を生み、円を描いて広がり、水面に溶け込んでいく様は、大字宙と微小な世界の結びつきを象徴している。宇宙の瞬間に、私たちは存在している。瀧本幹也

To coincide with PARIS PHOTO 2023, I held a solo exhibition using the whole of the venue, OGATA Paris, as the exhibition space. En Sô Shin, the exhibition I held in 2022, reminded us that humans are a part of nature, at the mercy of little viruses, showing that we exist within the cycles of Mother Nature. The works in CHAOS 2023 viewed the whole of the earth from various angles, recognized that we are connected with the natural world immediately around us, and gave expression to the loose connections from macro to micro. It showed 16 works carefully selected from En Sô Shin, which reproduced quiet scenes of prayer, flowers, temple ponds, and some of my other most recent photographs, as well as GRAIN OF LIGHT, which focused on the changing appearances of the seas, capturing grains of light flickering on their surfaces, plus the FLAME / SURFACE and SNOW MOUNTAIN series, which pursued tranquil and majestic images of this earth, including volcanoes, the sea, and snow-covered mountains. OGATA Paris (Paris) I witnessed the metaphysical boundary between nature and humans on snow-covered mountains in the dead of winter. I got the solid sense that nature, which falls short of human intellect, has created magnificent scenes, and that the earth is a part of the cosmos. Volcanoes and seas have been repeatedly created on earth over 4 billion years to carve out in relief a natural realm so beautiful it takes your breath away. Within that, zen culture has blossomed in Japan, and humans have projected Mother Nature onto small gardens. One drop of rain gives rise to a little ripple that spreads out describing a circle then merges into the water surface, symbolizing the nexus between the macrocosm and this minuscule earth. It is in moments in the cosmos that we exist. Mikiya Takimoto

En Sô Shin 円相心は、一滴のしずくが起こした小さな波紋から、円となりやがて大海へと広がっていく大自然の循環の中に人間も存在していることを表しています。私たちが生活するこの地面の下には大地があり、地下には水が蓄えられています。緩やかに続いていく世界の中で自分たちはどのように存在するのか、小さなウイルスに翻弄される人間も自然の一部であり、時間の中の一瞬に存在していることを改めて再認識させられる時を現在進行形で過ごしている中で生まれてきた作品達。書画 “円相図” に着想を得ており、禅における悟りや真理、仏性、宇宙全体を円形で象徴的に表現する思想に習っています。寺院をまわる中で京都の開化堂の茶筒を円相筒に応用する形で作品が出来上がりました。円相筒の作品と共に展示されます ”SURFACE” 作品は、2005年頃から取り組む地球を天体として捉えるシリーズからの1点になります。大海のモーションを捉えた大型作品は、遠く宇宙から眺めたイメージになり、人間からの視点ではなく、ミクロとマクロを感じさせる大きな生命体の一部としてこの星を捉えた作品になります。 『円・相・心』宇宙時間の一瞬に、私たちは生きている。地球で海が形成されたのは約40億年前、悠久の時を経て、原始生命体が海中で誕生した。やがて海中生物は地上に上がり、哺乳類、そして人類へと進化を遂げた。2500年前、インド・ブッダガヤの菩提樹の下で坐禅を組み、悟りを開いた釈迦、その28代目の弟子、達磨を開祖とする禅宗は800年前、日本に伝えられ、私たち日本人の心深くに共鳴する教えとなった。2022年夏、禅の境地を表す書画「円相図」を範に、己に向き合った。真理、宇宙の象徴とされる円とは、初めも終わりもなく、あらゆる執着から解放された心の在り様とされる。一滴の雨粒が小さな波紋を起こし、円となり、満ちて融け合い、やがて大海へと広がっていく… 噴火や地震、津波に幾度となく見舞われてきた日本、この列島に住む私たちは天が下す災いにも恵みにも等しく受け容れてきた。その時間は、身の回りの小さな世界にも自然の源泉、宇宙の摂理を感じ、生命の循環を汲み取る心を感じ取る心を密やかに育くんでくれた。円・相・心、自らの中に流れる生命循環を感じ、宇宙との融和に想いを馳せたい。瀧本幹也

En Sô Shin (“circle - phase - mind/spirit”) gives expression to the existence of humankind within the cycles of nature, with a single drop creating little ripples then becoming a circle that eventually spreads out to the ocean. While we live on the earth’s surface, Mother Earth lies below, and water accumulates underground. These works came into being while I was spending time in the present tense, a time that reminded me once more that humans are at the mercy of a tiny virus, are also a part of nature, and exist for a moment in time. They also reminded me of the question “How are we to carry on our existence in the world as it slowly carries on?” Inspired by enso-zu calligraphic works, I have followed the idea in Zen Buddhism of symbolically representing enlightenment, truth, Buddha-nature, and the whole cosmos, as a circle. I produced the works in a form that is an adaptation of the tea canisters made by Kaikado of Kyoto (tea caddy makers) to “enso-tsutsu” (“enso cylinders”) while I was visiting its temples and shrines. Exhibited together with the enso-tsutsu is one work from the series SURFACE, which I started working on in about 2005 and captures the earth as a cosmic body. These large-scale works capture the motion of oceans, this planet as a part of a great living body, bringing us into contact with the micro and the macro, not representing a human point of view, they are images viewed from far away in space. We live in a moment of cosmic time: En Sô Shin Oceans formed on earth about four billion years ago, then after an eternity, primitive life forms came into being in the seas. Eventually marine organisms moved onto land and evolved into mammals, including humans. Then 2,500 years ago, the Buddha meditated under the bodhi tree in Bodhgaya, India, attaining enlightenment. Bodhidharma, his 28th generation disciple, became the founder of the Zen school. Zen was then introduced to Japan 800 years ago, its teachings resonating deeply with us Japanese. In the summer of 2022, I confronted myself using as a model the enso-zu, that calligraphic work representing the Zen condition. Symbolizing truth and space, this circle has no beginning and no end, and is considered to represent a state of mind free from all attachment. A single drop of rain causes little ripples, they form circles, rise, and merge together, eventually spreading out to the ocean. We who live on this archipelago Japan, hit countless times by volcanic eruptions, earthquakes, and tsunamis, have welcomed and accepted these disasters equally with the blessings bestowed upon us by the heavens. That time surreptitiously nurtured my heart to feel, my heart to comprehend the cycles of life, to feel the providence of space, the source of nature, even in the small world around me. I hope you ponder on En Sô Shin, harmony with space, and feel the cycles of life coursing within yourself. Mikiya Takimoto

2020年京都妙満寺で開催された写真展『CHAOS』人智の及ばない大自然をとらえた作品群の中に、南極大陸で撮影された7連作品がありました。そこに添えられた1点の菜の花の写真。その存在が示唆したのは、厳しい冬の先にある春を見つめる写真家のまなざしでした。コロナ禍における写真の在り方を問い続けてきた瀧本幹也による新作展。PRIÈRE 太陽で煌めいた光が、地球に到達するまでに8分19秒かかるそうです。宇宙空間を旅してきたその光は、地面に到達する瞬間に樹木の枝葉をかいくぐった光と、遮られた影に分かれ陰影を描きます。太陽からの光は地球上へ平等に届きますが、風の悪戯で木漏れ日になって降り注ぎます。それは今の社会の不公平への喩えでもありますが、光と影が織りなすコントラストはどちらも美しいです。今回は作品よりも先に、国の重要文化財に指定される大阪市中央公会堂での展示が決まっていました。その特別室の荘厳な空間から "光と風の祈りのオーケストラ" という、テーマを思いつきました。祈りの情景を探し、今夏から秋にかけて京都の寺院に通い、写真と共に映像作品を撮り下ろしました。映像の冒頭では、降り続いた雨が次第に弱まり、一滴の雨粒が小さな波紋を起こし、やがて大海へと広がっていく様子を追いました。また手水舎の水口から流れる水の情景には、雨や雲など水を司る神様として崇められてきた龍を想像しました。そして水盤では光が描く小さな宇宙を見つけました。雨や嵐の先には、光と風が舞い踊る光景があるはずです。これは今、私たちが直面している社会情勢と照らし合わせることができるのではないでしょうか。京都の寺院で見つけた雨粒一粒や、光の瞬きは、かけがえも無く美しく、前向きな気持ちにさせてくれました。水面に落ちて徐々に波紋が広がり、まろやかに混ざり合う様子は、まさに美しい祈りの時間でした。　瀧本幹也 2021年12月

Among the works curated for CHAOS, an exhibition held at Myomanji Temple, Kyoto in 2020, works that capture nature beyond human understanding, were seven consecutive photos shot on the Antarctic continent. And along with them, at the end, a single photo of rape blossoms. Its inclusion suggests a vision of spring after a harsh winter through the eyes of the photographer. This is an exhibition of new works by Mikiya Takimoto, who has continued to interrogate photography itself during the pandemic. It takes 8 minutes and 19 seconds for the light shining from the sun to reach the earth. Having traveled through space, that light arrives on earth’s surface to be instantaneously divided into the light that makes it way past the leaves on the trees and the silhouettes where it is blocked, painting shadows. The light from the sun falls evenly on earth, but the wind plays with the trees, turning it to sunlight filtered through the trees. As a metaphor, this portrays the inequities in the world today, yet the contrasting interplays of light and shadow are equally beautiful. For this exhibition at Osaka City Central Public Hall, designated by the national government as an Important Cultural Property, the venue was selected before the works. The grand space in the Special Room provided the inspiration for the theme for this exhibition: an orchestra of prayers in light and wind. In search of places where people pray, I visited temples in Kyoto from this last summer through fall, shooting a new video work along with new photographic works. The beginning of the video traces the end of a long spell of rain as it gradually lets up, then a single drop of rain creates a small ripple, which finally spreads out into an ocean. The picture of water flowing from a spout at a chozu-ya (a water ablution pavilion for purification when visiting a shrine or temple) conjures the image of dragons, which have been revered as gods of water, which includes rain and clouds. And I found little universes painted in light in the water basins. After the rain and the storms, our eyes are sure to be greeted by dances in light and wind. Perhaps we can compare this to the circumstances we are facing in the world at the moment. The single raindrops and sparkles of light I found in the temples of Kyoto had an irreplaceable beauty and made me feel more positive. Falling onto the water surface, ripples gradually spreading, smoothly merging: these were truly moments of beautiful prayer. Mikiya Takimoto, December 2021

graf porchにて、2021年12月16日（木）- 12月19日（日）の期間、大阪市中央公会堂での瀧本幹也写真展『PRIÈRE』にあわせ、写真展『FLEUR』を開催。本展では、COVID-19が引き起こした世界の混乱の中、自生している花や植物の生命力の美しさ、儚さをとどめておきたいという強い衝動に駆られ撮影された作品を展示します。太陽からの光は、地球に平等に降り注いでいますが、地上に到達するその瞬間にそよ風が木漏れ日を揺らして、その光が、花にあたったり影の中に閉じ込められたりします。それは今の社会の不公平の比喩でもあるが、そこに宇宙を感じたりもします。COVID-19を経験してからは、自然をより受け入れる気持ちへと変化していきました。人が順応するというのは、人が進化したと言い換えられます。このパンデミックにどう順応して、いかに対処していくのか。一歩前進しては、後退して、試行錯誤を繰り返しながら、新たな表現でこの状況すらも明るく乗り越えていく、新しく進化した未来を想像しています。graf porch (Osaka)

My photography exhibition FLEUR was held at graf porch from December 16 (Thu) to 19 (Sun), 2021 at the same time as PRIÈRE, my photography exhibition at Osaka City Central Public Hall. This exhibition features works I shot driven by a powerful desire to capture the evanescence, the beauty of the life force of flowers and plants growing wild, as COVID-19 caused global turmoil around us. The light from the sun falls evenly on the earth, but in the instant it reaches the planet, the breeze jostles the tree-filtered sunlight, letting that light fall on flowers or confining it to the shadows. While it is a metaphor for the inequities in the world today, it also carries a sense of the cosmic. My experience of COVID-19 has prompted me to be more accepting of nature. Saying that people adapt could be another way of saying that people have evolved. How will we adapt to this pandemic? How will we deal with it? I imagine a newly evolved future, where we cheerfully overcome even the circumstances we find ourselves in, with new expression, through repeated trial and error, taking a step forward, and also backward.

THE TOWER HOTEL NAGOYAのギャラリースペース on holdとエントランスロビーにて瀧本幹也 写真展「AFTERIMAGE」を開催。『Multiple exposure』と『FLEUR』の2つのシリーズを展示。AFTERIMAGE Special Site も同時に公開しました。会場となる “on hold” は、2020年10月に名古屋テレビ塔内に誕生したホテル 『THE TOWER HOTEL NAGOYA』内のギャラリースペースです。名古屋のランドマーク的存在である名古屋テレビ塔、全15室のホテル「THE TOWER HOTEL NAGOYA」は「ART×CRAFT×LOCAL」をテーマに掲げ、客室には東海地方に縁のあるアーティスト・作家たちの作品を展示しました。瀧本幹也は名古屋城の近くで生まれ16歳で上京するまで名古屋市在住でした。そのご縁から瀧本幹也のアーティストルーム L10号室にて『SPACE #06 • #03』の2点の作品を常設展示しております。THE TOWER HOTEL NAGOYA (Aichi) 車窓から眺める景色に、映り込みが重なって絶妙なバランスになる瞬間がある。そんな偶然を見つけるのが好きだ。それは一枚のガラスに、同じ時間が共存する面白さだろう。多重露光の"Multiple exposure"では、一枚のネガフイルムの中に、幾つかの違った時間が共存する面白さがある。写真の瞬間が重なり合い、そこに時間が「時空」として封印され、偶然性の美が露光された時、頭の中の想像を超えた景色が立ち上がった。花の新作"FLEUR"では、これまで「花」を被写体とすることを敬遠してきたが、COVID-19が引き起こした世界の混乱の中、自生している花や植物の生命力の美しさ、儚さをとどめておきたいという強い衝動に駆られた。連綿と続く生命の瞬間を「時空」として捉えたいという欲求の現れなのだろうか？最近は、生命力と時空を感じるものに惹かれ、現実を冷静に見つめている。美しい景色と出会い、眼を閉じると網膜に焼き付くその残像が好きだ。 瀧本幹也

The solo exhibition, Mikiya Takimoto – AFTERIMAGE, was held at THE TOWER HOTEL NAGOYA, in the gallery space “on hold” and in the entrance lobby. The exhibition presents two series: Multiple exposure and FLEUR. The AFTERIMAGE Special Site was simultaneously open for viewing. on hold is a gallery space in THE TOWER HOTEL NAGOYA, which opened inside the Nagoya TV Tower in October 2020. Located inside a Nagoya landmark, the Nagoya TV Tower, THE TOWER HOTEL NAGOYA selected the theme ART×CRAFT×LOCAL, exhibiting works by artists with a close connection to the Tokai region in all 15 of its guestrooms. Mikiya Takimoto was born near Nagoya Castle and lived in Nagoya until he moved to Tokyo at 16. By virtue of that close connection, two of his works, SPACE #06 and #03, are on permanent exhibition in room L10, the Mikiya Takimoto Artist Room. Reflections superimpose themselves on what I see when I’m looking through the train window, at times coming into exquisite balance. I like seeing these coincidences. I guess I find it interesting how the same moments can exist together on one pane of glass. In the superimposed images on display in this exhibition, Multiple exposure, it is interesting to see a number of different moments in time coexisting in a single negative film frame. When these moments overlapped on film, stamping time as a time and a space (space-time), exposing the beauty of coincidence, sights beyond imagination came into my mind. I have so far kept a respectful distance from flowers as a photographic subject, but amid the global turmoil caused by COVID-19, I was driven by a strong impulse to capture the evanescent nature, the beauty of the natural life force in flowers and plants growing wild, which you can see in FLEUR, my new work on flowers. Does this reflect my desire to capture moments of life continuing uninterrupted as space-time? Recently I have been looking at the real world with a cool head, drawn to things that convey that sense of life force and space-time. I like the afterimage imprinted on my retinas when I close my eyes after coming across a beautiful sight. Mikiya Takimoto

KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭 2020 Associated Programs 世界屈指の文化都市・京都を舞台に、第８回目となる国際的な写真祭に初参加。KYOTOGRAPHIE 2020 (Kyoto)　瀧本自身初となるお寺での展示で、総本山妙満寺 大書院を舞台とした展示「CHAOS 2020」。 お寺に則した間を利用し、写真作品と共に、映像作品やインスタレーションも発表。＜中の間＞妙満寺には名庭「雪の庭」が存在します。俳句の祖といわれる松永貞徳(1571-1653)の造営した枯山水の庭です。この「中の間」は、日本建築に通底する美意識「枯山水」の作法に則り、雪の降り積もった山肌をテーマにした写真作品を枯山水の石に模し、そのお庭を散策して観てまわる回遊式庭園とする体験が出来る展示になります。雪が解けて漆黒の積層火山の山肌が、また枯山水に配された石の様にも見てとれます。床に展示された大小8点の作品の先には、襖絵を展示しております。日本美術の水墨画に習い、写真作品が極限まで省略の美意識に近づくことが出来るかを体現する試みになってます。表具師であり日本の伝統工芸士の佐々木惇三氏に襖の製作を依頼し、今回の展示の為に特別に製作した襖絵作品となります。大書院では600年以上の時空を越えた過去の時間を感じる中で「現在」と「未来」へと想いを巡らせる空間を体感いただけることでしょう。柔らかな自然光と、そよ風に包まれながらご鑑賞ください。＜上の間＞地球内部からのエネルギーの捌け口である火山に惹かれ、これまで地球という惑星を撮影してきました。左からアイスランドで撮影した作品『LAND-co.kyu.』は、大噴火のあと溶岩が流れ出て荒廃したあと、そこに苔が生え再生している過程、状態を捉えたものです。その隣の漆黒の大地がむき出しになった南極大陸の作品『LAND antarctica』の2点は、あたかも宇宙船から惑星を見下ろした、もしくは無人探査機から送られてきた画像のような見え方を意識して、特殊なフレーミングで展示しています。さらにその奥の借景窓からは、今も絶え間なく地球内部から硫黄ガスが噴出しているブルーファイア現象を捉えた作品を展示しています。借景で囲まれた狭い空間の中に、広い世界、雄大な小宇宙を表現しています。地球が恒星になり損ねた未練のように儚げなその「光」は、スケールこそ違いますが、星の集合体、星雲の「光」のようにも見てとれます。天体が自然に発しているという点では同じ質の「光」なのでしょう。正面の漆喰の壁面をスクリーンとして映像作品『SURFACE 2017 Video Installation』を4800×2300mmの大画面で4Kプロジェクションしています。これまで圧倒的な地球の風景をまえにして、その生命力に何度も息を呑んできました。しかし新型コロナウイルスというミクロな生命体の出現により、この地球すべてが混乱しています。ミクロとマクロ、いずれから迫っても、今自分が立っているこの場所が宇宙から続く大きな生命体の一部であることを感じさせて興味が尽きません。自然が人間には決してコントロールできない存在であるところも、撮りたいという衝動に駆られるのかもしれません。混沌を意味する“CHAOS 2020”と題し、新たな地球のイメージを見出すきっかけになればと思います。＜三畳間＞本来「枯山水」とは水を用いずに石組みを中心に構成された庭のことで、石や白砂などによって山水の風景を表現する庭園様式のことです。今回のインスタレーションでは、透明無垢の庭（1000mm×2000mm×50mm）を水面に見立て写真作品『SURFACE＃01』を映り込ませています。その上に光学ガラスを庭石の様に配し、中を覗き込むと地中深くから吹き出す火山活動を記録した映像が浮かび上がります。この三畳間では、光の「透過」と「反射」を取り入れた作品『透過と反射 枯山水 SURFACE＃01』が宇宙空間へと誘い、より深い思考へと導いてくれることでしょう。＜北の間＞海は幾度対峙しても飽きない被写体です。これまでも定期的に撮影を行なってきました。ですが、東日本大震災を経験してしばらく撮れないでいました。あまりにも突然身近に起きたそれは、地球内部の地殻プレートが動き引き起こした地震と、更に東北沿岸部を波がさらった津波という、まさに地球の活動でもある天災でした。地球規模の時空感覚に想像をシフトさせると、地震と津波は周期的に必ずといっていいほど起きていて、地球という惑星からしたら呼吸しているのと同じくらいの事なのかもしれません。そんな想いから2013年の夏に赤道直下の国に赴き、海の波動をテーマに撮影を再開しました。『GRAIN OF LIGHT』と題したこのシリーズでは、地球表面を覆い包み込む海。堪えず揺らめく悠久な時間を夢見ることとなりました。海を憎み。許す。繰り返される波の動きに呼応するかのような写真は、神の目線というとおこがましいですが、自らが撮影したというより、自然を畏敬し一体となり無我の境地で没頭し撮影したものになります。海の表情を人間の視点ではなく、地球規模の俯瞰した視点で捉えたかった事と、4×5機材を使用したかったので断崖絶壁な場所をGoogle Earthで探して撮影しました。「陽の光が海面の揺らぎに反射して幾千もの光の粒をつくる。常に動き続けるこの必然的な行為は、二度と同じものがうまれ得ない瞬間的な奇跡の連続でもある。原初の地球から果てしなく続いていく行為、その刹那の光の粒を大切に露光してみようと思いました」 ＜南の間＞南極大陸の大地をパノラマ4×5大型カメラで撮影した7連作品です。2006年に撮影した作品で長いこと未発表でしたが、コロナ禍の状況を受けて初展示になりました。「過酷で険しい冬の状況を乗り越えて、穏やかな春の季節を迎え花を咲かせましょう」という願いを込めて、「南の間」の奥に1点「菜の花」の作品を添えました。2020年4月自粛期間中に撮影した最新作になります。 写真新世紀インタビュー記事

KYOTOGRAPHIE 2020 Associated Programs Setting its stage in one of the world’s biggest cultural hubs, Kyoto, KYOTOGRAPHIE celebrated its 8th international photography exhibition which Mikiya had the pleasure to join for the first time. KYOTOGRAPHIE 2020 　This was the first time for Mikiya to exhibit his work at a temple as well. “CHAOS 2020” utilized the rooms with traditional architecture of Myoman-ji temple to present video and installation works of Mikiya’s alongside his photo works. (Middle Room) Myoman-ji temple has a renowned garden “Yukinoniwa”, meaning “Snow Garden”. This is a “Karesansui” garden designed by Teitoku Matsunaga (1571-1653), the founder of Haiku. “Karesansui” represents the fundamental aesthetic sense of Japanese architecture. The middle room presents photos of snow-covered mountain surfaces as if they are the rocks of the karesansui garden, and you can walk around the exhibits as if you walk around in the garden. The pitch-black surfaces of the rocky volcanic mountains appearing in places where snow has melted resemble the rocks placed in the Karesansui gardens as well. After passing through 8 various sized exhibits, the room ends with a Fusuma painting. Learned from the traditional Japanese ink paintings, this piece embodies the minimalist aesthetic by taking the simplicity that photograph can express to its limit. Fusuma, the Japanese style sliding door, in this room was created for this exhibition by a traditional craftsman and a fusuma hanger, Junzo Sasaki. Myoman-ji temple invites you into its over 600-year-old history, and at the same time, it will give you the space to contemplate the present time and the future. We hope the soft ray of lights and the gentle breeze will accompany you while you enjoy the exhibition. (The Last Room) Seeing volcano as the outlets where the earth release its energy, Mikiya’s fascination towards volcano drove him to keep filming the planet earth. In the last room, the exhibit on the left “LAND-co.kyu” filmed in Ireland, shows the solidified lava after a major volcanic eruption reviving as a new home to moss. The two exhibits next to it, which show the Antarctica continent with its pitch-black land exposed are titled “LAND antarctica”. Its unique framing has an effect to make you feel like you are looking down on the planet from a spaceship, or the photos were sent from an unmanned spacecraft. Farther in the room, an exhibit can be observed through a picture window, which captured the blue fire phenomenon that happens as a result of sulfur gas constantly shot out from the underground. Within the limited space framed by the picture window, a vast world, boundless microcosm appears. Like the earth wished it to be a star, this fragile “light” almost strikes as a collection of stars or a nebula. In the sense of a planet naturally emitting it, they maybe the same quality of “light”. Using the front wall as a screen, a film “SURFACE 2017 Video Installation” is projected onto a 4800×2300mm screen with 4k quality. Mikiya concludes, “Facing the breathtaking view of this beautiful planet, I was blown away by its vitality over and over again. Now this new micro life-form called Covid19 is threatening all human kinds, and the whole planet is in panic. Approaching with the both micro and macro point of view, I cannot help but to feel like where I’m standing right now is just a part of a massive life-form connected all the way through the universe, and the idea doesn’t stop to captivate me. The fact that the humankind can never control nature also propels me to keep filming it. With that in mind, I hope the exhibition “CHAOS 2020” will open up a new perspective of our home planet earth. (Three-Mat Room) “Karesansui” is a style of gardens that expresses the images of mountains and rivers without using water, but with rocks and white sands instead. The installation in this room, the transparent garden (1000mm×2000mm×50mm), imitates the water surface, reflecting the exhibit “SURFACE #01”. Rocks made of glass are laid upon the transparent garden, and a moving image of volcanic activity will emerge as you look into it. In this three-mat room, the exhibit “Transparency and reflection Karesansui SURFACE #01”, which embodies the transparency and the reflection of lights, will lead you to the universal space and guide you to deeper meditative state. (North Room) “The ocean is the subject that I can never get tired of. It was something I filmed quite regularly until the Tohoku earthquake in 2011.” Said the photographer, Mikiya Takimoto. That earthquake came out of no where. The crustal plates inside the earth moved, and then it caused the awful Tsunami to happen afterwards. This natural disaster was the undeniable proof of the earth actively breathing. The earthquake and tsunami have been happening rather regularly in the long history of the planet earth, and considering how old this planet is, maybe it really is like breathing for the earth. Having that in mind, Mikiya traveled to a country right on the equator in a blazing hot summer in 2013, and started filming the ocean again. Mikiya explains “In the series ‘GRAIN OF LIGHT’, the ocean that embraces the planet surface made me dream about the eternity that comes and goes. Hate the ocean. And forgive. Those photographs, like the repeating ocean waves calling out to each other, surpassed myself, and I wouldn’t call it the God’s point of view, but my reverence towards nature let me unified with it, and I kept filming like I lost myself into the mother nature. I used Google Earth to find precipitous cliffs because, first of all I wanted to use 4 x 5 equipments, and I also wanted to capture the expression of the ocean with the planet scale point of view instead of a human point of view. ” He continues “The sunlight reflects on the ocean surface and produces thousands of light particles. The inevitability of the ocean waves constantly moving means that the momentary miracles that the exact same thing will never be born is continuously happening right in front of me. I wanted to capture each momentary light parcels that are made in these motions of waves that have never seized since this planet was created.” (South Room) Seven connected photos shot with 4 x 5 films, which together consist a view of Antarctic continent. It was never released after being shot in 2006, but it finally met its first exhibition inspired by the mutual prayer all humankind has in this global pandemic. At the end of the south space, we present a piece of rape blossoms with a hope of “Blooming flowers in the warm springtime after overcoming the brutal winter”. This piece is the newest work of the photographer, Mikiya Takimoto, shot during his self-quarantine period in April 2020. Interview

KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭 2020 Associated Programs 「CHAOS 2020」(会場：妙満寺 大書院) と同時期開催として祇園のギャラリー Sferaにて「LAND SPACE 2020」開催。KYOTOGRAPHIE 2020 (Kyoto)　「LAND SPACE」に未発表作品と、「GRAIN OF LIGHT」「FLAME」を加え再構成。地球内部からのエネルギーの捌け口である火山の噴火口や、大規模噴火の火山灰によって大地がリセットされた河川。溶岩流が固まった後、苔が生え再生を目指す大地。雪や氷が溶けて漆黒の大陸がむき出してきた南極の地表面。地球という生命の営みは四十億年以上もの間あらゆる活動が繰り返され、様々な大陸を形成し圧倒的な美しい大地を創造した。その歴史のほんの一瞬の断片にしか立ち会う事は叶わないが、生命が出現する遙か以前には、地球はこのような姿だったのかもしれないという、本来見てはいけない禁断の風景に出会うと魂が震えた。地球は今もなお活発に生きている。普段の都会生活では忘れてしまいがちだが、そのような大地に自らの身を置くと、立っている地面の地下深くが非常に不安定なものと感じられる。それは地震の多い日本人の遺伝子が無意識的に感じているのかもしれない。「LAND」は空をフレームから排除し俯瞰できる高い場所から撮影している。そうすることであたかも別の惑星の探査写真のように見える。対しては「SPACE」人工的に宇宙空間へ脱出を試みる際、引き留めの力にあらがう噴射口、大気圏へ突入の際は抵抗する高温の力から機体を守る耐熱パネル。白煙をあげ歴史上最も燃費の悪い乗り物が繰り返し打ち上げられる。地球誕生から現在までを1年のカレンダーに置き換えると、産業革命が起きたのが12月31日午後11時59分58秒になるという。文明はその残りの数秒で飛躍的な発展をし、人類は地球外へも活動の範囲を広げた。それは宇宙開発競争という言葉からも解るように宇宙事業は軍事利用競争でもあった。宇宙技術はミサイルなど軍事技術への応用が可能なので、宇宙を制するものはこの地球を制するといった心理学的な作戦もあった。自分は元々宇宙に興味があり、NASA のスペースシャトル打ち上げを子供の頃テレビで初めて知った。衝撃的な感動の記憶として焼き付いている。その頃は単なる憧れの意識が強かったのだが、「SPACE」の撮影をすすめ調べていくうちに、人類にとって本当に必要な事なのか、疑問が残るようになっていった。「LAND」と「SPACE」の2 つのシリーズは一見相反する事象かもしれないが、両者の痕跡が偶然にも神秘的な相似形であることにも気付いた。それは原初の地球の「LAND」と、最先端の科学技術が展開される「SPACE」との、めざましい境界侵犯の戯れに外ならない。ふたつの相対するものが混在し調和した姿が美しい。『LAND SPACE』は、2011年に発表したが、その年に東日本大震災が起きた。それは地球内部の地殻プレートが動き引き起こした地震と、更に東北沿岸部を波がさらった津波というまさに地球の活動でもある天災であった。一方現代文明の象徴、福島原子力発電所が爆発する事故が起きたのは人類が引き起こした人災とも言える。「LAND」と「SPACE」の関係を考えていた矢先に起こった大震災であった。当時震源地から250kmの福島の隣の県で撮影をしていたが、すぐさま中断し車内のテレビで津波の報道を知ると内陸へと車を走らせた。その後の日本では津波を引き起こした海が憎いものとする風潮があったり、火山の噴火と地震の因果関係を論じたり、日本各地で反原発運動が起こった。そのような体験からしばらく写真を撮れないでいたが、2013年の夏に赤道直下の国に赴き、海をテーマに撮影を再開した。『GRAIN OF LIGHT』では地球表面を覆い包み込む海。絶えず揺らめく悠久な時間を夢見ることとなった。海を憎み。許す。繰り返される波の動きに呼応するかのような写真は、神の目線というとおこがましいが、自らが撮影したというより、自然を畏敬し一体となり無我の境地で没頭し撮影した。会場入口に展示したインスタレーションは、地球の大半を覆う海の上空をスペースシャトルが飛行し、遠く宇宙から眺めたイメージである。宇宙空間では光の反射が極めて少ないため影は闇に溶け込んでいく。宇宙空間へ誘いマクロの視座で体感するための試みである。その対面に配したのは「FLAME」の作品で、奥の壁に展示している。天文的エネルギーの硫黄ガスが、赤道直下の地球内部から時間をかけ上昇してきて、地表面で着火し蒼く怪しげに発光する現象を捉えたものだ。暗闇の中で揺れ動く蒼い炎は、スケールこそ違うが遠く宇宙空間で光を放つ「星雲」と、光の質としては同じとも言える。地球は恒星になり損ねたが、奇跡的にも太陽からの距離やサイズ、気温や大気が生命に適していた。発光する光は地球が自ら天体である証しだと控えめに主張しているように思えた。なぜ、こうした地球の営みに惹かれるのか。それは、自分の中に細部を突き詰める視点と、俯瞰で客観的に見渡そうとする視点が常に併存しているからかもしれない。写真を撮るときはこの両極の往復から被写体との適切な距離を探り当て、視点を切り替えている。自分にとって地球は、どの高度（深度）からアプローチしても興味が尽きない対象なのだろう。ミクロとマクロ、いずれから迫っても、今自分が立っているこの場所が宇宙から続く大きな生命体の一部であることを感じさせて面白い。自然が人間には決してコントロールできない存在であるところも、撮りたいという衝動に駆られる理由かもしれない。2020年はミクロな生命体の出現により世界全体が翻弄した年になっている。これらの作品がまた新たな地球のイメージを見出すきっかけになればと思う。ー瀧本幹也（写真家）

LAND SPACE 2020, held at Sfera gallery space in Gion as a parallel exhibition with CHAOS 2020, one of the KYOTOGRAPHIE International Photography Festival 2020 Associated Programs (Venue: Daishoin, Myoman-ji Temple). KYOTOGRAPHIE 2020 (Kyoto) A reconfiguration of LAND SPACE with works never shown before plus GRAIN OF LIGHT and FLAME. Craters: outlets for energy from earth's interior. Rivers: where the earth has been reset by ash from a major volcanic eruption. Ground: where moss grows after a lava flow that has hardened and continues to regenerate. Antarctica: where the snow and ice have melted, and the pitch-black continent has been laid bare. Through the natural processes of life that constitute the earth, all actions have repeated over more than four billion years, forming the continents and creating landforms of overwhelming beauty. Although I can witness only a momentary fragment of that history, my soul trembled as I encountered forbidden landscapes, landscapes that ordinarily I should not see, landscapes revealing the earth as it may have been eons before life appeared. Even now the earth is alive, active. We tend to forget in everyday city life, but when we put ourselves on that kind of ground, we can feel that very instability, deep underground, below the surface we stand on. That may be something that Japanese feel unconsciously in our land of many earthquakes, thanks to our genes. LAND was shot from elevated positions, eliminating the sky from the frame, allowing for overhead views. This makes the photographs look as if they were exploratory photographs of another planet. In contrast is SPACE: Rocket nozzle: fighting back the force that prevents us from leaving when humans attempt to escape into space using man-made means. Heat-resistant panels: protecting the spacecraft from the intense heat caused by resistance when plunging back into the atmosphere. Spaceship: with the capability of being repeatedly launched amid billows of white smoke, and the worst fuel milage in history. If you put the time from earth's emergence to the present into a one-year calendar, the industrial revolution was at 11:59:58 p.m. on December 31. Civilization has developed in leaps and bounds in the remaining seconds, and humankind has expanded the range of its extraterrestrial endeavors. As the term "space race" shows, the space project has also been a competition utilizing the military. Because it is possible to apply space technology to missiles and other military technology, it has also been a psychological strategy: the one who controls space controls the earth. I have always been interested in space, and I first found out about NASA's space shuttle launch on TV as a child. It has been etched into me as a memory of excitement with great impact. At the time, the simple sense of aspiration was strong, but as the work of shooting SPACE progressed and I looked into things, I was left with doubts about whether it was something that humankind really did need. At first glance, the two series LAND and SPACE may seem contradictory, but I noticed that by chance the two trace intriguingly analogous shapes. That is nothing less than striking toying with violation of the boundary between the primordial beginnings of the earth—LAND—and SPACE, where cutting-edge science and technology are deployed. Colliding, the two mix, their concordance creating beautiful forms. LAND SPACE was unveiled in 2011. That was the year of the Great East Japan Earthquake. It was a natural disaster that really amounted to the earth in action, an earthquake caused by the movement of its internal tectonic plates and a tsunami, which swept the northeastern coast of Japan. Yet, the explosion of the Fukushima nuclear power plant, a symbol of modern civilization, could also be described as a man-made disaster, one caused by humankind. This massive earthquake struck just as I was about to turn my mind to the relationship between LAND and SPACE. At the time, I was filming in the prefecture next to Fukushima, 250 kilometers from the epicenter, but I stopped straight away and when I saw reports of the tsunami on the TV in the car, I drove inland. Subsequently in Japan, there was a surge of hatred toward the sea, the thing that had caused the tsunami, people debated the causal relationship between volcanic eruptions and earthquakes, and anti-nuclear movements rose up across the country. After an experience like that, I could not pick up my camera for a while, but in the summer of 2013, I headed off to some equatorial countries and started shooting again with a sea theme. In GRAIN OF LIGHT, I turned to the seas, which cover and envelope the earth’s surface. It turned into me dreaming of eternal time, swaying continually. Hating the sea, then forgiving it. The photographs seem to correspond to the repeated movement of the waves, and although it would be impudent to say they are God’s perspective, rather than saying “I took them,” they were taken while immersed in a state of selflessness, revering and becoming one with nature. The installation on display at the venue entrance is an image seen from a distance in space, the Space Shuttle flying high above our seas, which cover most of the earth. Shadows merge into the darkness since there are very few reflections of light in space. It is an attempt to invite people into celestial space and experience it from a macro perspective. Displayed opposite this is on the back wall the work FLAME. This image captures a phenomenon in which sulfur gas, an astronomical energy, rises over time from the earth's equatorial interior, and ignites on the surface to emit a strange blue light. Although the blue flames flickering in the dark and the nebulae in deep space are on a different scale, you could say they share similar light qualities. The earth failed to become a star, but miraculously, its size, temperature, atmosphere, and distance from the sun were suited to the existence of life. It seemed to me the emanating light was understatedly asserting it is proof that the earth itself is a celestial body. Why am I so drawn to earth’s natural processes? Perhaps it is because inside me always coexist two outlooks: one where I look deeply into things, and one where I try to objectively take in a scene from a bird’s-eye perspective. When I am shooting a photograph, I find the appropriate distance from the subject by switching between these two opposite viewpoints. To me, the earth seems a subject of unending interest, no matter the altitude (depth) from which I approach it. Whether from a micro or a macro approach, it is interesting to feel that where I stand now is part of a great living body, on a continuum with the universe. That nature is something humans can never control may be one of the reasons why I am driven by the urge to photograph it. 2020 has turned into a year in which the whole world has been tossed about by the emergence of a microscopic life form. I hope these works spark discovery of a new image for the earth. Mikiya Takimoto (Photographer)

『déformation』最新作を含む、「建築×自然」という構成でグラフィカルなオリジナルの写真作品を集めた展示を開催。オリジナリティ溢れる切り口と表現で人を驚かせたい、違う視点を提供したいという強い意志。発想力とそれを実現させる緻密な計算と妥協しない姿勢。俯瞰して事物を眺めるクールさと、好奇心旺盛で実験好きの少年のような情熱。そこから、決まりきったイメージに寄り添わない新しいイメージを印象づける作品が生まれています。今回はコルビュジエも、NASAも、ルイ・ヴィトンの森も、ナイアガラの滝も。 全てが新鮮で瀧本幹也ならではの写真展。

This exhibition including Mikiya Takimoto’s most recent works is a collection of original graphical works of photography, composed as Architecture x Nature. The strong intention is to present different viewpoints, to surprise people with new perspectives and expressions brimming with originality. Inventiveness, and an uncompromising approach with minute calculation giving expression to that inventiveness. The coolness of looking at things from overhead and a passion like a boy who loves experimenting, who’s curious about everything. Out of that emerge works with images that stick in the mind, new images that don’t lean on the commonplace or obvious. Included in this exhibition are Le Corbusier, NASA, Louis Vuitton Forest, and Niagara Falls. A distinctively Mikiya Takimoto photo exhibition where everything is fresh.

CHAOS は「LAND」「SPACE」「GRAIN OF LIGHT」「FLAME」「SURFACE」という5つの篇から構成されている。生命が誕生する遙か以前に地球の大地はこうだったのかもしれないという「LAND」と、片や人類最先端文明の象徴として宇宙開発を捉えた「SPACE」というふたつの相対するシリーズを『LAND SPACE』として2011年に発表した。CHAOS (Paris)　　「LAND」地球内部からのエネルギーの捌け口である火山の噴火口や、大規模噴火の火山灰によって大地がリセットされた河川。溶岩流が固まった後、苔が生え再生を目指す大地。雪や氷が溶けて漆黒の大陸がむき出してきた南極の地表面。地球という生命の営みは四十億年以上もの間あらゆる活動が繰り返され、様々な大陸を形成し圧倒的な美しい大地を創造した。その歴史のほんの一瞬の断片にしか立ち会う事は叶わないが、生命が出現する遙か以前には、地球はこのような姿だったのかもしれないという、本来見てはいけない禁断の風景に出会うと魂が震えた。地球は今もなお活発に生きている。普段の都会生活では忘れてしまいがちだが、そのような大地に自らの身を置くと、立っている地面の地下深くが非常に不安定なものと感じられる。それは地震の多い日本人の遺伝子が無意識的に感じているのかもしれない。「LAND」は全て空をフレームから排除し俯瞰的に高い場所から撮影している。そうすることであたかも別の惑星の探査写真のように見えるようにしている。「SPACE」対しては人工的に宇宙空間へ脱出を試みる際、引き留めの力にあらがう噴射口、大気圏へ突入の際は抵抗する高温の力から機体を守る耐熱パネル。白煙をあげ歴史上最も燃費の悪い乗り物が繰り返し打ち上げられる。地球誕生から現在までを1年のカレンダーに置き換えると、産業革命が起きたのが12月31日午後11時59分58秒になるという。文明はその残りの数秒で飛躍的な発展をし、人類は地球外へも活動の範囲を広げた。それは宇宙開発競争という言葉からも解るように宇宙事業は軍事利用競争でもあった。宇宙技術はミサイルなど軍事技術への応用が可能なので、宇宙を制するものはこの地球を制するといった心理学的な作戦もあった。自分は元々宇宙に興味があり、NASAのスペースシャトル打ち上げを子供の頃テレビで初めて知った。衝撃的な感動の記憶として焼き付いている。その頃は単なる憧れの意識が強かったのだが、「SPACE」の撮影をすすめ調べていくうちに、人類にとって本当に必要な事なのか、疑問が残るようになっていった。「LAND」と「SPACE」の二つのシリーズは一見相反する事象かもしれないが、両者の痕跡が偶然にも神秘的な相似形であることにも気付いた。それは原初の地球の「LAND」と、最先端の科学技術が展開される「SPACE」との、めざましい境界侵犯の戯れに外ならない。ふたつの相対するものが混在し調和した姿が美しいと思い、『LAND SPACE』として2011年に発表した。そして、その年に東日本大震災が起きた。それは地球内部の地殻プレートが動き引き起こした地震と、更に東北沿岸部を波がさらった津波というまさに地球の活動でもある天災であった。一方現代文明の象徴、福島原子力発電所が爆発する事故が起きたのは人類が引き起こした人災とも言える。「LAND」と「SPACE」の関係を考えていた矢先に起こった大震災であった。当時震源地から250kmの福島の隣の県で撮影をしていたが、すぐさま中断し車内のテレビで津波の報道を知ると内陸へと車を走らせた。その後の日本では津波を引き起こした海が悪いものとする風潮があったり、火山の噴火と地震の因果関係を論じたり、日本各地で反原発運動が起こった。そのような体験からしばらく写真を撮れないでいたが、2013年の夏に赤道直下の国に赴き、海をテーマに撮影を再開した。『GRAIN OF LIGHT』では地球表面を覆い包み込む海。堪えず揺らめく悠久な時間を夢見ることとなった。海を憎み。許す。繰り返される波の動きに呼応するかのような写真は、神の目線というとおこがましいが自らが撮影したというより、自然を畏敬し一体となり無我の境地で没頭し撮影した。2016年からは、『FLAME / SURFACE』に取り組んだ。それまでの延長線上にあり発展形である。「FLAME」は天文的エネルギーの硫黄ガスが、赤道直下の地球内部から時間をかけ上昇してきて、地表面で着火し蒼く怪しげに発光する現象を捉えたものだ。暗闇の中で揺れ動く蒼い炎は、スケールこそ違うが遠く宇宙空間で光を放つ星雲と、光の質としては同じとも言える。地球は恒星になり損ねたが、奇跡的にも太陽からの距離やサイズ、気温や大気が生命に適していた。発光する光は地球が自ら天体である証しだと控えめに主張しているように思えた。「SURFACE」は惑星に存在する「水」という物質の現象として捉えてみた。地球の大半を覆う海のモーションを、遠く宇宙の果てから眺めたイメージである。宇宙の視点であるから、人間が決まって思い浮かべるような姿から海を解放して、敢えて天地左右を惑わせる構図を狙っている。なぜ、こうした地球の営みに惹かれるのか。それは、自分の中に細部を突き詰める視点と、俯瞰で客観的に見渡そうとする視点が常に併存しているからかもしれない。写真を撮るときはこの両極の往復から被写体との適切な距離を探り当て、視点を切り替えている。自分にとって地球はどの高度（深度）からアプローチしても興味が尽きない対象なのだろう。ミクロとマクロ、いずれから迫っても、今自分が立っているこの場所が宇宙から続く大きな生命体の一部であることを感じさせて面白い。自然が人間には決してコントロールできない存在であるところも撮りたいという衝動に駆られる理由かもしれない。これらの作品が見た人にもまた新たな地球のイメージを見出すきっかけになればと思う。ーー瀧本幹也

This exhibition is composed of five independent series of "LAND", "SPACE" "GRAIN OF LIGHT", "FLAME" and "SURFACE". I made the decision to publish as "LAND SPACE" at 2011 combining with two different series.　 CHAOS (Paris)　　"LAND" is focused on that the earth might be like those circumstances before the life appearing. "SPACE" was captured the space exploitation as a symbol of our most advanced human civilization. "LAND" The lands on the Earth were created by thousand movements of our planet beloved; craters of volcano, which were source of energy from the Earth, the rivers where the earth were reset by volcanic ash of large eruption. After the lava flows have settled, the moss growing, the Earth started to regenerate on its own will. Antarctic ground surface where snow and ice have melted and the continent is exposed jet-black. The activities of life as the Earth have been repeated during over four billion years, forming various continents and creating an overwhelming beautiful earth. I could see only several fragments of those moments in history of the Earth, long before the appearance of life, I could encounter such a forbidden landscapes that the earth should not show easily, that the earth might have been such a figure. My soul was trembling with excitement. Earth is now living actively. However, people living in big cities are easily to forget the vibration of Earth. Once we put ourselves in such a wild land, we have to realize that we are living on such as an unstable ground even now. Especially we Japanese might be carrying the DNA to feel something anxious deeply in our unconscious memories beyond the generation. "LAND" was shooting with a bird-eye view. I wanted to exclude sky from the pictures totally. Putting the angle of view from sky, I would like to make them to look like exploring photographs of another planet from the space ship. "SPACE" On the other hand, “SPACE” is positioned as the opposite side of “LAND”. At both timing of the atmosphere escape and re-entry, scientists of space exploration still have to take the poorest fuel efficiency system in order to against the force of gravity and protect the heat resistant of aircraft continuously. Replacing from the birth of the earth to the present with a one-year calendar, it says that the industrial revolution took place at 11:59:58 pm on December 31. The humane civilization has developed dramatically in the remaining few seconds. We have now scoped the outside of our planet. As the literal expression of "the competition of space exploration" defines, the space projects were military strength competition among the great powers at the same time. Since space technology can be applied to military technologies such as missiles, there are also psychological strategies such as controlling the Earth that controls the universe. I was originally interested in space, I first heard NASA's Space Shuttle launch on TV in my childhood. Actually it was one of the most impressive memories. At that time I was not enough mature to consider it seriously, frankly I was simply longing for the mystery of space. However keeping on research of "SPACE", I have become suspicious about the space exploration… Would it be really necessary for the future of human beings? Those two series of "LAND" and "SPACE" might to be seemed contradictory context, but I could recognize that the both traces were mysterious similarities. It is nothing but a playful invasion of remarkable boundaries between the original "LAND" and the state-of-the-art science and technology "SPACE". I discovered the unique beauty made by the harmonious mixture of two relative things. At the year of this book publishing, 2011, the East Japan great earthquake disaster hit on Japan. It was a natural disaster, also simply the earth's activity, the earthquake that the crustal plate inside the Earth caused, and the tsunami that the wave further struck the coast of the northeast. On the other hand, the symbol of civilization, the accident that the Fukushima Nuclear Power Plant exploded, can be said that this is the human disaster caused by mankind. It was the exact moment for me to analyze the relevance between "LAND" and "SPACE". On that day I was shooting in the prefecture next to Fukushima, located 250 km from the epicenter. Knowing the tsunami coverage on in-car TV, I run my car to the inland immediately. Since then there were some tendencies covering throughout Japan; that people are afraid of the sea causing tsunami, the arguments of the causal relation between volcanic eruption and the earthquake, anti - nuclear movement. I myself could not take a picture for a while. Perhaps I was so confused by the disaster beyond my imagination… In the summer of 2013 I decided to go to the country right under the equator, and resumed taking the theme of the sea. "GRAIN OF LIGHT" was focusing on the sea wrapped around the earth's surface. I faced the dream of an eternal time that will never endure. “I hate the sea.” “I forgive the sea.” The photographs just like as if respond to the movement of repeated waves, to be presumptuous as God's eye, but rather than photographing by himself, rather than photographing himself, he revered nature and became immersed and immersed and photographed. Since2016, I have been working on "FLAME / SURFACE". This series is a sort of an extension line so far, and developing form at the same time. With "FLAME" I capture the phenomenon that astronomical energy sulfur gas rise over time from the interior of the earth immediately under the equator and ignites on the ground surface and it glows shades. The blue flames swaying in the dark means to be the same as the quality of light, with the nebula, which differs in scale but emits light in space far away. Although the Earth failed to become a star, miraculously the distance and size from the Sun, temperature and atmosphere were suitable for the birth of life. It seemed to me that the light emitting light conservatively claims that the Earth is a witness that the Earth is itself a celestial body. "SURFACE" was captured as a phenomenon of the substance "water" present on the planet. It is the vision, which sees the motion of the sea that covers most of the earth far from the end of the universe. Since it is a viewpoint of the universe, I am aiming at a composition that humans liberate left and right by daringly releasing the sea from the appearance which humans decide fixedly. Why am I attracted to the activities of the earth deeply? I analyze that two opposite viewpoints coexist in myself all the time, the one to overcome the details, and the other to overlook objectively in a bird's-eye view. When I Photograph, I observe precisely and calculate the proper distance to the subject from this two-way round trip and switch the viewpoint. For me, the Earth is an ever-lasting attractive subject, never fade with any altitude (depth) approach. Even if it comes close to micro and macro, it is so interesting to feel that this place where I stand now is part of a large life form that continues from outer space. Nature is territory where a man can never control by human convenience. It may be reason to be driven by the impulse to photograph. I do wish that these works would be trigger to discover unknown image of the Earth beloved. -- Mikiya Takimoto

FOCUS ROCK STUDIO & gallery(名古屋)にて 「LAND SPACE」を皮切りに、「GRAIN OF LIGHT」「SIGHTSEEING」「Le Corbusier」の四タイトルを、二週間ごとに展示を入れ替えて展示。本展覧会は、初期の作品から最新作までを、生まれ育った名古屋で開催。「LAND SPACE」は、生命が誕生する遙か以前に地球の大地はこうだったのかもしれないという「LAND」と 、対極にあるとも言える人類最先端文明の象徴として宇宙開発を捉えた「SPACE」という 、ふたつの相対するシリーズを対峙させた作品となります。「GRAIN OF LIGHT」は、震災後に赤道直下の国に赴き、海をテーマに撮影をした作品になります。地球表面を覆い包み込む海、堪えず揺らめく悠久な時間を夢見ることとなりました。海を憎み、許す、、、 繰り返される波の動きに呼応するかのような写真は、自らが撮影したというより、自然を畏敬し一体となり無我の境地で没頭し撮影したものになります。「SIGHTSEEING」は、世界七大陸の観光地を巡り、非日常性に集まる観光客をシニカルな視点で捉えた作品になります。演出を一切せず、その場で起きていることに委ね撮られた、ある種異色なドキュメント とも言えます。「Le Corbusier」は、以前から敬愛する偉大な建築家、ル・コルビュジエの建築を撮影した作品になります。これまでも多くの写真家が、撮影を試みてきました。そこで自分は無謀にも、彼がのりうつったと仮定し、かつて彼が視ていたであろう景色を、再確認する視点で捉えた作品になります。FOCUS ROCK STUDIO & gallery (Nagoya)

Four showings for 2 weeks each at FOCUS ROCK STUDIO & gallery in Nagoya, kicking off with LAND SPACE, then GRAIN OF LIGHT, SIGHTSEEING, and Le Corbusier. This exhibition in Nagoya, where Takimoto was born and raised, includes works from his early career to now. LAND SPACE counterposes 2 series against each other: LAND, which imagines the earth’s lands in the remote past when life emerged, and SPACE, which perceives space development as a symbol of human civilization at its most advanced, and could be described as the antithesis of LAND. After the Great East Japan Earthquake, Takimoto took himself to an equatorial country and shot GRAIN OF LIGHT, the sea as his subject. The result, dreams of endless time shimmering ceaselessly and the ocean wrapping, covering the surface of the earth. These photos, seem to be shot while at one with, in reverence for, nature, completely immersed in a state of self-effacement, rather than being taken by Takimoto himself, and they seem to hate then forgive the sea in response to the repeated motion of the waves. SIGHTSEEING features works from a series of sightseeing spots on the world’s 7 continents depicting sightseers converging on extraordinariness, in a cynical light. SIGHTSEEING could be described as a novel document, without any staging at all, Takimoto leaving it up to what was happening at each place. The exhibition Le Corbusier features architectural works by Le Corbusier, the great architect long admired and respected by Takimoto. Numerous other photographers have tried shooting them. With this exhibition, Takimoto impulsively supposes Le Corbusier has possessed him to create a work from a point of view that takes a second look at scenes that Le Corbusier would have looked at in the past.

瀧本幹也展「CROSSOVER」ラフォーレミュージアム原宿にて、これまでの20年間の活動の全貌を紹介する写真展を開催した。98年に写真家として独立して以来、広告写真、作品、CM、映画と４ジャンルの境界を越え活動してきた。それぞれのジャンルを4つの展示空間に分けて、400点を越える作品を展示する自身初の大規模な写真展となった。450平米の会場には、写真作品が展示された空間や、映像のインスタレーション空間などに区切られ、次の空間へは何も展示されていない純白の通路を、クロスに横断しジャンルをクロスオーバーすることを体感出来るような会場構成とした。約3週間の会期で15000人を動員し、また会期中には是枝裕和氏とのトークイベントや、瀧本がナビゲーターを務めギャラリーツアーも開催された。

Mikiya Takimoto’s photography exhibition CROSSOVER at LAFORET Museum Harajuku presented the first ever comprehensive retrospective of his 20-year-long oeuvre. Since launching his career as a photographer in 1998, Takimoto has engaged in the artistic world across four genres: advertising photography, art works, commercials, and film. Presenting over 400 works in four separate exhibit spaces for the four genres, the exhibition was the largest in his career. The 450-square-meter venue was divided into spaces for the photography exhibits and the film installations and was designed to give viewers a sense of crossing over genres by traversing an intersection - pure white corridors exhibiting nothing - into the next space. The exhibition drew about 15,000 during the 3-weeks, there was also a talk session with Hirokazu Kore-eda, and Takimoto led a guided tour of the gallery.

Le Corbusier / Photographs by Mikiya Takimoto　窓から望む景色。柔らかな光に包まれたカーテン。石の床に反射する色ガラス。幾何学立体の壁面。それら断片から確かに「ル・コルビュジエ」の面影を見た。ーー 瀧本幹也

Scenery viewed from the window. Curtain enclosed in soft light. Colored glass that reflects the stone floor. Geometric three-dimensional wall. From that fragment, I saw remnants of Le Corbusier. -- Mikiya Takimoto

2011年に発表した『LAND SPACE』は、生命が誕生する遙か以前に地球の大地はこうだったのかもしれないという「LAND」と人類最先端文明の象徴として宇宙開発を捉えた「SPACE」という、ふたつの相対するシリーズからなる。地球内部からのエネルギーの捌け口である火山の噴火口や原初の惑星の姿。対しては人工的に宇宙空間へ脱出を試みる際引き留めの力にあらがう噴射口、突入の際は抵抗する高温の力から守る耐熱パネル。それら両者の痕跡が偶然にも神秘的な相似形であることに気づいた。その後の『GRAIN OF LIGHT』では地球表面を覆い包み込む海。堪えず揺らめく悠久な時間を夢見ることとなった。今回の『FLAME/SURFACE』はその延長線上にあり発展形である。「FLAME」は天文的エネルギーの火山ガスが、赤道直下の地球内部から時間をかけ上昇してきて地表面で着火し蒼く怪しげに発光する現象を捉えたものだ。その様子は遠く彼方の星雲にも見てとれた。「SURFACE」は惑星に存在する「水」という物質の現象として捉えてみた。視点を仮に地球の外に置き換え観察したら先入観なしにどう見えるのだろうか。そう考えていくと海の写真の天地を限定することすら愚問に思えてきた。地球の営みが繰り返される。そのリズムに合わせシャッターを切るうちに喩えようもなくとても永い宇宙的な時間感覚を味わった。ーー 瀧本幹也

The 2011 photograph collection, “LAND SPACE” consisted of two contrasting series; “LAND” visualized what the earth might have been like long before the birth of life, and “SPACE” captured space development as a symbol of the cutting edge of human civilization. The former showed volcanic craters, which spew energy from the depths of the earth, and the landforms of our primordial planet. In contrast, the latter showed the manmade injection port of a rocket engine, which struggles against resisting forces in an effort to escape into space, and heat-resistant panels that protect against high temperatures upon reentry. I noticed that the traces borne by both subject matters are intriguingly similar. Following the photobook, “GRAIN OF LIGHT” addressed the ocean, which envelopes the earth’s surface. In that project, I became absorbed in the continual ebb and flow of time. “FLAME/SURFACE” marks a further evolution along the path. “FLAME” portrays the phenomenon of eerie blue light that occurs when the incredible energy of volcanic gas eventually rises from the earth’s interior below the equator and ignites on the surface. This struck me as similar in appearance to a distant nebula. “SURFACE” examines the planetary phenomenon of water. How does it look without preconceptions when the viewpoint is switched to a distance from earth? Such musings have led me to believe that fixing the up and down of sea photography is merely arbitrary. The earth’s activities are cyclical. As I released the camera’s shutter along with those rhythms, I experienced a feeling I can only describe as long, cosmic time. -- Mikiya Takimoto

MIKIYA TAKIMOTO PHOTO EXHIBITION @ N Y　　マンハッタンのノリータ地区に位置する PLUS 81 GALLERY - NEW YORKにて、瀧本幹也の90年代の初期の作品から現在にいたるまでの中から厳選した作品を展示。制作された年代や題材、目的はあえて多種に及ぶが統一感のある展示で、新しい試みとなった。ニューヨークでは初の個展。

This showing at the Plus 81 Gallery - New York in Manhattan’s Nolita neighborhood will include a selection of images spanning Mikiya Takimoto’s earliest works in the 90s to his present projects. Though these images are from different eras with different topics and different purposes, the exhibition represents a new experiment that instead focuses upon what they share in common. This is Mikiya Takimoto’s first solo exhibition in New York.

10月開催の東京国際写真祭2015TIPFのサテライト会場にて展示された「Oatman / New York Mikiya Takimoto Photo Exhibition」場所を六本木のFUJIFILM GALLERY Xへ移して同規模での巡回展。「 Route66を砂漠や荒野を抜け西に向かう。ブラックマウンテンズ鉱山の中腹を険しく蛇行し峠を下ったところに残された小さな街がOatmanだ。1930年代に弁護士が住んでいたという家を訪問する機会を得た」 ーー瀧本幹也

A continuation of the Oatman / New York exhibition shown at a satellite venue for the 2015 Tokyo International Photography Festival (TIPF) moved to the Fujifilm Gallery X. "I journeyed west along Route 66 through the deserts and wilderness. Oatman is a small former mining town situated at the base of a pass winding through the Black Mountains. I had the chance to visit the home of a lawyer who lived there in the 1930s." --Mikiya Takimoto

第1回東京国際写真祭2015TIPFの開催に併せてサテライト会場にて「Oatman/New York Mikiya Takimoto Photo Exhibition」38点を展示。アリゾナとニューヨークの対照的なアメリカの原風景を撮影。「Route 66を砂漠や荒野を抜け西に向かう。ブラックマウンテンズ鉱山の中腹を険しく蛇行し峠を下ったところに残された街がOatmanだ。1930年代に弁護士が住んでいた家を訪問する機会を得た」 ーー瀧本幹也　　　　　

An exhibition of 38 images held at a satellite venue during the 2015 Tokyo International Photography Festival (TIPF). "I journeyed west along Route 66 through the deserts and wilderness. Oatman is a small former mining town situated at the base of a pass winding through the Black Mountains. I had the chance to visit the home of a lawyer who lived there in the 1930s." --Mikiya Takimoto

「海街diaryのちいさな写真展」。映画「海街diary」の撮影時にかけがえのない断片を大切に撮りためた写真を、劇中で使用されたセットや小道具とともに、窓から見える墓地を借景し融合させた空間での展示。映画の世界観を疑似体験できるような空間を東京青山のTOBICHI2に再現した。

A small photography display for Our Little Sister. Images taken during the filming of the cinematic feature "Our Little Sister" were shown in a space the blended set pieces from the movie mixed with borrowed landscape from the graveyard visible from the window of the venue. The result was a simulated experience of the movie's vision within the environment of TOBICHI2.

2011年に東京のMA2 Galleryで展示された「LAND SPACE」の巡回展。規模を拡大して大判の作品を展示した。瀧本幹也の九州での初写真展。

A touring exhibition of "LAND SPACE" shown at the Tokyo MA2 Gallery in 2011. The scale was increased for this first photo exhibition in Kyushu.

『Nonocular』先住民族マオリの人々が居住していたポリネシア、ロトルア地方へ訪れて撮影された。そこは地熱活動が活発な地域で、間欠泉や熱泥池が点在し自然が形成した超現実的な風景が現れる。鼓動を感じ無意識の奥底に埋もれていたものを迷宮から手繰り寄せるように静かにシャッターがきられた。

These photos were taken during a visit to Polynesia and Rotorua, the homes of the aboriginal Maori people. Both regions are rife with geothermal activity, and dotted with geysers, hot mud pools, and other almost surreal scenery molded by the hands of Mother Nature. Feeling the pulse of the Earth there, Mikiya Takimoto quietly closed the shutter as he drew up what he found stirring in the labyrinthine depths of his unconscious.

たえまない海のリズムを連続的に撮影された作品「 GRAIN OF LIGHT 」。同様に連続的に展示することで追体験でき、また今回特注の特殊なオリジナルフレームにセットすることによって不定形な海面の揺らぎを閉ざすことなく境界線を抽象化した。　「陽の光が海面の揺らぎに反射して幾千もの光の粒をつくる。常に動き続けるこの必然的な行為は、二度と同じものがうまれ得ない瞬間的な奇跡の連続でもある。原初の地球から果てしなく続いていく行為、その刹那の光の粒を大切に露光してみようと思った。」ー 瀧本幹也

This exhibition offered a vicarious experience through a continuous display of the ocean's rhythms. It also abstracted the boundary lines without sacrificing the freedom of the fluctuating, indefinite form of the ocean surface through the use specially made original frames. 　　"The sunlight reflects off the rippling surface of the ocean and creates thousands of particles of light. This incessant, inevitable process is also a succession of momentary miracles, no two of which are ever alike. I wanted to preserve these ephemeral particles of light and the act that has been producing them ceaselessly since primordial times on Earth." - Mikiya Takimoto

『LOUIS VUITTON FOREST PHOTO EXHIBITION』坂本龍一氏が主宰する一般社団法人more treesとLOUIS VUITTONが共鳴し「LOUIS VUITTON FOREST by more trees」を誕生させた。坂本氏からの依頼を受け一年を通し四季を描写し続けた。間伐し手を入れることによって森が再生していく。”森を正面から堂々と撮ること”それは葉々が仰ぎ見る太陽からの目線なのではないか。会場となったLOUIS VUITTON ROPPONGI HILLSでも同様の目線で森を鑑賞できるよう構成した。

"LOUIS VUITTON FOREST by more trees" is collaboration born from the synergy of Louis Vuitton and musician Ryuichi Sakamoto's foundation "more trees". Mikiya Takimoto was commissioned by Sakamoto to spend a year capturing images of the four seasons. Forests are reborn through thinning and care. Photographing the forests in a head-on, open manner - perhaps this is the perspective of the sun that can be seen gazing down upon the leaves. The exhibition at Louis Vuitton Roppongi allowed visitors to appreciate the forest from this same viewpoint.

本作は太古から続く静謐な地球の営みを収めた「LAND」と、NASAのケネディ宇宙センターを四度にわたり訪れ最先端の人類文明の叡智を結集した宇宙事業を捉えた「SPACE」の、ふたつの異なるプロジェクトから成る。四十数億年をかけて創造された大地と、人類がたった数十年で到達した文明の極致。それらは対極する存在であるが、地球内部からのエネルギーであるマグマが噴出する火口は、地球を出入りするといったロケットの噴射口を連想させるように奇妙な相似形を描く。まるで地震と原子力発電の関係を暗示させるようでもある。「LAND」と「SPACE」を往還することによって、生命が出現する遙か以前の地球という惑星の姿を目撃することになる。

This exhibition was composed of two projects: "LAND", which celebrates the tranquil workings of the Earth since ancient times, and "SPACE", a look at the embodiment of human intellect that is the space industry shot over four visits to the Kennedy Space Center. Earth, which was formed over the course of over 40 billion years, and this pinnacle of civilization, which humanity achieved in just several decades. Though they stand as polar opposites, the goal of this exhibition was to depict the curious similarity between the craters from the energy contained within the Earth erupts forth and the nozzles of the rockets used to leave and return to our planet. It also hints at the connection between earthquakes and nuclear energy. The intercourse of "LAND" and "SPACE" allows us to behold the form of planet Earth as it was in the distant past before life emerged.

『Iceland』北極圏に程近い島国、Iceland。火山と氷雪の大地が誇る厳しくも美しい山々を捉えたこの作品には、透明な空気とともに、大自然が織りなす豊かな造形美が写し出されている。自然な風景でありながら山肌と雪解けが見せる、あたかも人工的で絶妙な色彩模様がグラフィカルに共鳴し合う。

Iceland is an island nation located near the Arctic Circle. These photos, which depict the harsh yet beautiful mountains of this land known for both fire and ice, show the clear air and the rich formative art that nature has woven there. Though both are natural, the mountain surfaces and the amazingly vibrant hues of the patterns seen as the snow melts resonate in an almost graphical manner.

08年に宮城県塩釜市のbirdo spaceで開催した写真展「trees」の巡回展。第2回塩竈フォトフェスティバルとの同時開催で東京では今作初展示。

"trees", originally displayed at birdo space of Miyagi Prefecture Shiogama in 2008, was later shown simultaneously as a traveling exhibition and at the 2nd Shiogoma Photo Festival.

『trees』塩竈フォトフェスティバルに併せて、宮城県の塩竈を題材に撮りおろされた作品。1300年の歴史を持つ塩竈神社のご神木や、庭園の樹木たちを被写体にし、日本の伝統美を独特で新鮮な視点で切り取る作品からは「ポップであることは単に軽さや表面的なことではない」ということを深く理解させる。『そこを通り過ぎようとした時、花札の図案を思い出していた。それらは日本のポップアートに見えた』ーー瀧本幹也

Photos taken in Shiogoma, Miyagi Prefecture for the 1st Shiogoma Photo Festival. These images featuring the sacred tree of Shiogoma, which dates back to 1300, and the groves of its garden offer a unique take on traditional Japanese aesthetics, along with a profound interpretation of why being pop doesn't have to mean being superficial or trifling. "I had almost passed through the area when I was suddenly reminded of the designs on hanafuda playing cards. The scenery resembled a kind of Japanese pop art." --Mikiya Takimoto

東京を代表する観光地「東京タワー」内に会期限定で特設ギャラリーを開設した。今展示のために壁面、床のフローリングなどを施工し作品を鑑賞する空間を作った。タワーの展望フロアから降りてきて自然に誘導され観覧する仕掛けを「観光」の縮図と捉え、従来の写真展を新しく立体的に展開することを提示した。三十点余の大型作品を展示。また併設するCafeでは「SIGHTSEEING」特別映像作品を上映。同時に同名写真集を出版。

An exhibition set up in a special, limited time only gallery within Tokyo Tower, one of the city's most famous tourist destinations. The display of over 30 large-sized pieces gave the traditional photo exhibition format a new, more three-dimensional feel by interpreting the devices that naturally invite visitors to gaze from the viewing floor as sightseeing depicted in miniature. The connected cafe featured a video piece made specially for the Sightseeing exhibition, and a photo collection bearing the same name was also published at the same time.

現代デザインの礎を築いたドイツ「 BAUHAUS 」。デッサウ校舎の壁を色面構成的に捉えた作品群。建築家槇文彦氏設計の東京南青山SPIRALに新たに壁を設置し、そこに写真作品で再現する試み。四十点の大型作品から成る本展と同時に同名写真集を出版。瀧本幹也初の写真展になる。

This collection of images depicting the color plane composition of the buildings at the Bauhaus Dessau, the German school that laid the foundations for modern design. New walls crafted by architect Fumihiko Maki were erected at Spiral in Minami Aoyama, Tokyo as part of an experimental installation recreating the subject with photos. A photo collection bearing the same name was published coinciding with this exhibition of 40 large-scale images. This was Mikiya Takimoto's first photo exhibition.

写真誕生200周年を迎える記念プロジェクトとして、『WONDER Mt. FUJI』 富士山 〜自然の驚異と感動を未来へ繋ぐ〜を開催しました。神聖なる存在として聳え立つ霊峰 富士を18名（山内悠、広川泰士、公文健太郎、十文字美信、ユリア・スコーゴレワ、木村肇、エバレット・ケネディ・ブラウン、西野壮平、大山行男、クリス・スティール = パーキンス、サラ・ムーン、ココ・カピタン、ドナータ・ベン ダース、野辺地ジョージ、吉田多麻希、菅原一剛、野町和嘉、瀧本幹他）の写真家の目を通して富士山のメッセージを紡ぎ出す展覧会に参加しました。写真の魅力と可能性を富士山を通して自身の判断、他者との関わり方を表現し、瀧本は富士山が辿ってきた「過去・現在・未来」の時間軸で、撮り下ろし撮影した写真作品4点、映像作品1点を展示しました。WONDER Mt.FUJI (Tokyo) Past＿世界最古のレンズは、紀元前700年頃にアッシリア文明で生まれた水晶のレンズと言われている。そこで私は古代の水品を通して富士を観察する試みを思案した。富士の麓に位置する乙女鉱山の地下深くでは、地機変動による高温高圧の条件下で水晶が形成された。その水晶の原石を手に入れ、機械研磨を施して1群12枚のレンズを製作した。水品のレンズを通した富士は、時空を越え「過去」を朧げな像で結晶させた。　 Present＿遠くアイスランドの大地の裂け目から分かれた北米プレートとユーラシアプレー トが、毎年数センチずつ左右に引っ張られ北半球に広がり、再び日本で巡り合う。日本近海の海溝やトラフは、地球内部へと消滅していく場所なのだ。この国では、プレートにマグマが押し出され、地表に噴き出して火山が形成さ れてきた。地球からするとそれは、小さな吹き出物のような存在なのかもしれない。しかし雄大な地球の活動が産み出した富士の姿形は、あまりに美しく神秘的だ。「現在」の姿は、この地球が生きている証でもある。　 Future＿視座をミクロへと移す。富士を俯瞰し内部を覗きこんでみる。水晶レンズは果たしてこの星の「未来」を占えるのだろうか・・・? 瀧本幹也

WONDER Mt. FUJI ~ Connecting the Wonders and Inspiration of Nature with the Future Generations of Mankind ~ is an exhibition commemorating the 200th anniversary of the birth of photography. Mikiya Takimoto participated in this exhibition featuring Mt. Fuji, that towering sacred mountain and object of worship. The exhibition presented meticulously crafted messages seen through the eyes of 18 photographers: Yu Yamauchi, Taishi Hirokawa, Kentaro Kumon, Bishin Jumonji, Yulia Skogoreva, Hajime Kimura, Everett Kennedy Brown, Sohei Nishino, Yukio Ohyama, Chris Steele-Perkins, Sarah Moon, Coco Capitán, Donata Wenders, George Nobechi, Tamaki Yoshida, Ichigo Sugawara, Kazuyoshi Nomachi as well as Mikiya Takimoto. Takimoto exhibited 4 new photographic works and 1 new video work shot along the “past/present/future” timeline Mt. Fuji has traced so far, giving expression to judgements on self-confidence, ways of engaging with others, as well as the wonder and the potential of photography, through Mt. Fuji.　WONDER Mt.FUJI (Tokyo) Past The world's oldest lens is said to be a crystal lens created by the Assyrian civilization around 700 BC. Inspired by this, I attempted to observe Mt. Fuji through ancient quartz crystals. Deep underground at the Otome Mine, located at the foot of Mt. Fuji, quartz crystals were formed under high temperature and pressure conditions due to crustal movement. I obtained the rough quartz crystal and manufactured a lens with two elements in one group by machine polishing. Mt. Fuji through the crystal lenses formed a nebulous image of the "past" that transcended time and space.　 Present The North American and Eurasian plates, which split off from a rift in the distant land of Iceland, are pulled a few centimeters to the left and right each year, spreading across the Northern Hemisphere and meeting again in Japan. The ocean trenches and croughs near Japan are places where they disappear into the Earth's interior. The country of Japan was formed by volcanic activity when magma was pushed out by plates and spewed onto the earth's surface. From the perspective of the earth, it may seem like a small blowout. However, the shape of Mt. Fuji, which was produced by the magnificent activities of the earth, is so beautiful and mysterious. The "present" is proof that the earth is alive.　 Future Shift our perspective of Mt. Fuji to the micro level and look into its interior. Can the crystal lens realy divine the"future" of this planet? Mikiya Takimoto

丹下健三と隈研吾展 －東京大会の建築家たち 「KENZÔ TANGE – KENGO KUMA Architectes des Jeux de Tokyo」 をフランスのパリ日本文化会館にて開催しました。1964年と2021年東京でのオリンピック開催の際に多くの競技場が建設され、丹下健三設計の国立代々木競技場、また2021年のオリンピック開会式・閉会式の会場ともなった隈研吾設計の新国立競技場も建設されました。東京オリンピックを象徴する競技場の設計、また二人が影響を受けた桂離宮やパリでの活躍など、丹下健三と隈研吾の足跡を、2024年オリンピック直前のパリにて、モノクロ写真と模型を通じて辿る展示となりました。瀧本は新国立競技場と精巧に形作られた模型写真を撮影しました。石元泰博撮影の国立代々木競技場と瀧本撮影の新国立競技場は、展示会場で共鳴するように展示されています。丹下健三と隈研吾展 (Paris)

The exhibition Kenzo Tange and Kengo Kuma – Architects of the Tokyo Olympics has been held at the Japan Cultural Institute in Paris, France. Construction of numerous sport stadiums for the 1964 and 2021 Tokyo Olympic Games included the Yoyogi National Stadium, designed by Kenzo Tange, and the Japan National Stadium, designed by Kengo Kuma, which was also the venue for the 2021 Olympics opening and closing ceremonies. Held immediately before the 2024 Paris Olympics, the exhibition traced through models and monochrome photography the footsteps of Kenzo Tange and Kengo Kuma, including their designs of stadiums symbolizing the Tokyo Olympics, the architects’ activities in Paris, and the Katsura Imperial Villa, which influenced the two architects. Takimoto photographed the Japan National Stadium and its intricately detailed models. The Yoyogi National Stadium photographed by Yasuhiro Ishimoto and the Japan National Stadium photographed by Takimoto were also displayed to resonate with each other in the exhibition space.

ART PARIS 2024 Stand H10 パリのグラン・パレにて25カ国から136の現代美術を取扱うギャラリーによるフェアに参加。 　ART PARIS (Paris)

ART PARIS 2024 is an art fair bringing together 136 modern art galleries from 25 countries in the Grand Palais, Paris. 　ART PARIS (Paris)

フランスの美術家・写真史家のMichel Frizot氏がキュレーションされたSpecial Exhibitionの一つとして、第9回目を迎える9th Daegu Photo Biennale 大邱ビエンナーレに参加しました。「The Ongoing Power of Photography.」をテーマに韓国の大邱アートセンターで開催。 キュレーター解説（日常にあまりにも多くの写真が溢れている今日、私たちは目にした写真を無意識ながらも習慣で、常に自分たちが現実を見ているかのように「錯覚して」しまう。自分や家族の姿、記念に残したい、おもしろいと思ったものは、瞬時に写真にしてインターネットで公開できるため、私たちは、いつの間にかそれが、自分の目で見ているもの、あるいは見てきたものと重なり合わない技術的な産物であることも忘れてしまう。ところが、そういった即時性、つまり一瞬の出来ごとをわかりやすく伝えるという意味合いを取り除いた途端に、写真は、またちょっと謎めいたものとなる。それは、わかりやすいというよりむしろいくらかの曖昧さであり、見てすぐに理解できるというよりむしろ疑問が次々に湧いてくる、といったものだ。）　　Floriane de Lassée、Ana D & Noora K、Terri Weifenbach、Will Matsuda、Debiprasad Mukherjee、Hui-Yu Lo、Feng Li、Bohnchang Kooと共に、瀧本の作品は『Le Corbusier』シリーズから４点展示されました。

I exhibited in one of the Special Exhibitions — one curated by French artist and photo historian Michel Frizot — at the 9th Daegu Photo Biennale. The Special Exhibition was held at the Daegu Arts Center in South Korea under the theme, “The Ongoing Power of Photography.” Curatorial Statement（Photography is always so present in our lives that, out of habit and without thinking, we 'pretend' that it is a double of the reality we are constantly looking at. Instantly posting our own portrait, family photos, a monument or a curiosity on the Internet makes us forget that it is a technological production that cannot be superimposed on what we see, or have seen, with our own eyes. But as soon as we leave behind the immediacy of the context in which the image conveys simple and ephemeral information, photography once again becomes a little enigma. It is defined by a certain opacity rather than transparency. By a series of questions rather than by its obviousness.） I displayed 4 works from my “Le Corbusier” series, along with Floriane de Lassée, Ana D & Noora K, Terri Weifenbach, Will Matsuda, Debiprasad Mukherjee, Hui-Yu Lo, Feng Li, and Bohnchang Koo. Daegu Photo Biennale (Korea)

3月開催のGELATIN SILVER SESSION SPIN-OFF PROJECT 2023「写真への手紙」で展示された作品が、北海道の写真の町 東川町にある東川町文化ギャラリーへ場所を移して巡回展を開催。写真表現を取り巻く環境が大きく変化を続ける中、写真の町を宣言して来年2024年で40年を迎える東川町。写真表現の一つとして銀塩写真を残す活動をつづけているゼラチンシルバーセッションの展示作品が、写真の町東川町へ巡回することの意義。銀塩写真への思いを記した作家の手紙は自身への手紙でもあり、次世代に向けたメッセージでもある。

The works shown at the GELATIN SILVER SESSION SPIN-OFF PROJECT 2023, Letters to Photographs, last March are traveling to Hokkaido to be exhibited at the Higashikawa Bunka Gallery in Higashikawa, The Town of Photography. Next year in 2024, Higashikawa Town will be celebrating 40 years since making The Town of Photography declaration, a period that has seen major ongoing changes in the milieu of photographic expression. The GELATIN SILVER SESSIONS continue to advocate preservation of silver halide photography as a form of photographic expression, so there is significance in these works traveling to Hokkaido to be exhibited in Higashikawa, The Photography Town. The letters recording the photographers’ thoughts about silver halide photography are both letters to themselves and letters to the upcoming generation.

『円・相・心』& 『祈り』 2018 年、混乱の時代を予見した写真家、瀧本幹也は『CHAOS』というタイトルの下で、自身の作品を俯瞰する作業を開始します。彼の時代への予見がまさに当たってしまった現在の世界は、まさに混乱のさなかにあります。しかしながら、瀧本が一連の作品を通じて伝えたいメッセージとは、より良き未来を手にするためには、今こそ、私たち人間が「個」として、謙虚に世界に向き合う姿勢で内省する時間を持つことの重要性を静かに問いかけています。『円・相・心』とは禅における、魂の平安と調和の境地を表す最上位の心の状態を指す言葉。深く自分自身と向き合う、筒の中に表現された小宇宙には、その時の心を映し出す装置となるはずです。一方、『祈り』は時間を超越し、心静かに永遠なる存在に祈りと敬意を捧げる風景として制作されています。それはまた、小さな画像に一人で向き合う時間と、心を通じ合える他者と共に眺め分かち合う時間という双子の姉妹のような作品とも言えるでしょう。 フランスのリヨンにあるManifestaにて、パリの所属ギャラリー クレマンティーヌ・ドゥ・ラ・フェロニエール・ギャラリー 協力のもとFOCUS展に参加。円相心の作品は、写真にこめられた想いと作品の形状も含め円融（えんゆう）を体現。祈りの作品と共に展示することでより強く発信するメッセージになります。写真を中心とした新しい展示は、Manifestaの特別な空間を生かして、鑑賞する人の想像力を刺激する構成になっています。

“EN-SO-SHIN” & “Prière” In 2018, Mikiya Takimoto, a photographer who foresaw an era of turmoil, begins a bird's eye view of his own work under the title “CHAOS”. His prediction of the times has come true, and the world today is in the midst of turmoil. However, the message that Takimoto wants to convey through his series of works is that in order to have a better future, it is now time for us, as individuals, to take time to reflect and face the world with humility. In Zen, "En, Sang, Shin" refers to the highest state of mind, which represents the state of peace and harmony of the soul. Facing oneself deeply, the microcosm expressed in the cylinder should be a device to reflect the mind of the moment. On the other hand, " Prière " is created as a landscape that transcends time and quietly offers prayers and respect to an eternal being. It could also be said that the two works are like twin sisters: one is a time to face a small image alone, and the other is a time to view and share it with others with whom one can share a heart to heart. I am exhibiting my works in FOCUS, a group exhibition being held at Manifesta (Lyon, France), with the support of Galerie Clémentine de la Féronnière, a gallery in Paris I am affiliated with. My En Sô Shin (“circle - phase - mind/spirit”) works, including the sentiments imbued in the photographs and the works' forms, exemplify the notion of enyu (complete harmony). Exhibiting them along with works of prayer emphasizes their message These new exhibits centering on photography are curated to take advantage of the special space at Manifesta and stimulate visitors’ imagination. FOCUS (Lyon)

2006年より活動している『ゼラチンシルバーセッション』は、銀塩写真で表現することの楽しさ、面白さを多くの人に知ってもらい、デジタルとフィルムそれぞれに異なる特徴を持つ表現手段の選択肢として、銀塩写真技術や機材、フィルム、印画紙などを次世代に繋いでいくことを目的とした活動です。今回はスピンオフ企画としてGELATIN SILVER SESSION SPIN-OFF PROJECT 2023「写真への手紙」と題し、7⼈の写真家（井津建郎、勝倉崚太、小林紀晴、瀧本幹也、田中仁、ハービー・山口、広川泰士）と15 名の東京⼯芸⼤学 芸術学部 写真学科の学⽣により銀塩資材を使⽤した「作品」、銀塩写真への思いを記した「⾔葉/⼿紙」、そして銀塩資材にまつわる「研究」の3 つで構成する展覧会を開催。GSS SPIN-OFF (Tokyo) 写真とともに。　写真との出会いは、おそらく小学２年生まで遡る。母が「学研のおばさん」で、毎月の「学習」と「科学」が大量に家に届き、それを子供部屋で振り分けては、其々の家まで母が自転車で届けていた。たまに何個か余りが出て、自分の学年より上の「科学」の付録のおこぼれが手に入ることがあった。その当時「科学」の付録がとても魅力的で、小えび飼育観察セットや、球根栽培、カブトムシ勉強マシンなど興味をそそるものばかりだった。　その中に上学年の付録『押し入れ自家現像セット』があった。小さなプラスチック製のピンホールカメラの暗箱に印画紙の様なものをセットして、勉強机から見える外の景色を露光した。いつもの景色が紙に記憶され、それを真っ暗な押入れの中に持っていきA 液、B 液の順に浸したら像が浮かびあがってきた…。その一連の流れは儀式のようでもあり、その怪しげな不可解さにすっかり取り憑かれてしまった。近所に住んでいた同級生の小川くんのお父さんが、趣味で暗室を持っている事を聞きつけ見学させてもらった。その部屋は、赤い朧げな光と酢酸の匂いに満たされ、とにかく異質な空間だったことを記憶している。今思えば、写真との出会いは、撮影よりも先に暗室だったのかもしれない。　その後、程なくして写真を志すようになり、実家から徒歩圏の写真館に16 歳からお世話になった。そこで初めて見たフォトラマ FP100C 4 × 5 判のインスタントフイルムをめくった時、再びその幼少期の体験の記憶が蘇った。像を結ぶ精度は雲泥の差であったが、やはりその神秘的ともいえる不可解な美しさに痺れた。めくった時に微かに香る現像液の残り香や、乾く前の艶やかな質感まで好きだった。またホルダーから引きだす手際にもコツが必要で、その所作が何かの儀式の様で堪らなかった。その頃、写真といえばデジタルの無い時代だったので、インスタントフイルムでチェックしてフイルムで本番撮影、現像してベタ焼きをあげてから暗室作業という一連の流れが面白くて仕方がなかった。そこから現在に至っても、楽しい儀式は続いている。　実は、最近そんな自分でも、作品や仕事でデジタルカメラを使用する機会が増えてきた。その理由は利便性も勿論だが、プロ仕様にも耐え得るミラーレス機が登場して、そのボディに古めのレンズを装着する事で、これまで拒否反応を示してきたデジタル特有のカリカリとしたものが融和されたからだ。これまで頑なに拒否してきたものが、今ではすっかりと相棒の様に持ち歩くハメに。何ともいい加減なものだ。しかし思うのだが、写真とは無心や無我の状態で撮れた方が、「人の心に触れる写真」になる気がしている。撮影中の精神が無になる状態。物理的にフイルムに露光する行為は、やはり儀式の様でおごそかである。デジタルの画像では映らないものが宿る気がしてならない。瀧本幹也

Running since 2006, the GELATIN SILVER SESSION is a project that aims to put the next generation in touch with silver halide photography techniques, equipment, film, and photographic paper, as an alternative expressive means with different characteristics to both digital and film, and to bring the interest and enjoyment of photographic expression in silver halide photography to wider audiences. GELATIN SILVER SESSION SPIN-OFF PROJECT 2023: Letters to Photographs is an exhibition comprising 3 elements: Works, by seven photographers (Kenro Izu, Ryota Katsukura, Kisei Kobayashi, Mikiya Takimoto, Jin Tanaka, Herbie Yamaguchi, and Taishi Hirokawa) and 15 students from the Department of Photography, Faculty of Arts at Tokyo Polytechnic University using silver halide materials; Words/Letters, which record thoughts about silver halide photography; and Research, concerning silver halide materials. Together with photography.　My first encounter with photography probably goes back to when I was a second grader at elementary school. My mother was a “Gakken Lady,” a door-to-door salesperson for the educational publisher Gakken, so every month piles of the magazines “Gakushu” (Learning) and “Kagaku” (Science) would be delivered to our home, she would prepare customers’ orders in the kids’ room and then deliver them to customers’ homes by bicycle. Occasionally there would be some left over, so I would get a little bonus, a “Kagaku” supplement for a higher grade than mine. Back then the “Kagaku” supplements were all incredibly fascinating, like kits for observing little shrimp grow, growing a plant bulb, and a machine for studying rhinoceros beetles, and other things that piqued my interest.　One of those higher-grade supplements was a Home Closet Photo Developing Kit. I would place a piece of paper, like photographic paper, in a small plastic pinhole-camera, a camera obscura, and expose it to the scenery I could see outside from my desk. An everyday scene would be recorded on the paper, I would take it into a completely dark closet, soak it in liquid A then liquid B, and an image would gradually appear... That series of steps was akin to a ritual, and I became completely obsessed by the uncanny enigma of it all. I overheard someone saying that the father of my classmate Ogawa, who lived in the neighborhood, had a hobby darkroom, so I got him to let me take a look. There was a faint red light in the room, and it was filled with the smell of acetic acid. I remember it being a very different type of space. Looking back now at my first encounters with photography, I see that the darkroom might have come before taking photos.　Before long I developed a keen interest in photography, and a studio within walking distance of home helped me out, starting from the age of 16. My memories of that childhood experience came back to me as I peeled apart some Fotorama FP100C 4 x 5 format instant film and saw such a photo for the first time. The difference in the image capturing precision was like chalk and cheese, but as you would expect, I was fascinated by its enigmatic, even enchanting, beauty. I loved the faint residual smell of developing fluid when I peeled apart the instant photo, and even its glossy texture before drying. Plus, you needed to finesse the knack of pulling the photo out from the holder, so the movement in that action felt like some sort of ritual, and I absolutely loved it. Those were the days before digital photography, so there was a set series of steps, checking the shots with instant photos, taking the shots you want on film, developing the film, making a contact sheet, and then working on the photos in the dark room, which I really enjoyed so very much. The enjoyable rituals have continued to this day.　In fact, even though I love film, recently I have been shooting more often with digital cameras, for my exhibition works and my commissioned works. Of course, convenience is one of the reasons for that, but it’s also because we now have mirrorless cameras that can handle the demands of professional photography, and mounting an older lens on the body makes the characteristic sharp edges of digital cameras, something I used to reject, merge together. Cameras that I had previously obstinately rejected have become constant companions wherever I go. Which seems sort of random. Yet, I get the sense that photos taken in a state of selflessness, free from thought, are more likely to be “photos that touch the human heart.” A state in which the mind clears while you are taking photos. The physical act of exposing silver halide film to light is after all a solemn act, like a ritual. I cannot help but feel that there abides in silver halide photos something that doesn’t show up in digital images. Mikiya Takimoto

2015年に設立されたプリピクテジャパンアワード。第3回目は「火と水」をテーマに、新井卓、岩根愛、岡田将、 瀧本幹也、千賀健史、長沢慎一郎、中井菜央、水谷吉法の8名による展示。瀧本は書画 “円相図” に着想を得た、禅における悟りや真理、仏性、宇宙全体を円形で象徴的に表現する思想に習い作成しました円相心の作品1点、またFLAME / SURFACEやSNOW MOUNTAINなど１３点の作品で「Fire & Water」を表現。Prix Pictet Japan Award (Tokyo)　　＜CHAOS＞宇宙時間の一瞬に、私たちは生きている。人類が我がものと思っているこの地球こそ、最も身近な天体である。地球の内側から、エネルギーをはき出す火山現象を探るため、噴火口へと足を運んだ。そこでは硫黄ガスが絶え間なく噴出する、ブルーファイア現象を目にした。質量が足りず恒星になり損ねた天体が発する、未練の「火」は、儚げに蒼く耀き続けていた。それは、あたかも星の集合体である星雲のようにも見えた。ミクロとマクロのスケールこそ違うが、天体の営みが産み出した光としては同質と言えるだろう。この地球は、太陽からの距離や気温、大気が生命の存在に奇跡的に適していた。海が形成されたのは約40億年前、悠久の時を経て、原始生命体が海中で誕生した。やがて海中生物は地上に上がり、哺乳類、そして人類へと進化を遂げた。2500年前、インド・ブッダガヤの菩提樹の下で坐禅を組み、悟りを開いた釈迦、その28代目の弟子、達磨を開祖とする禅宗は800年前、日本に伝えられ、私たち日本人の心深くに共鳴する教えとなった。一滴の雨粒が小さな波紋を起こし、円となり、満ちて融け合い、やがて大海へと広がっていく…噴火や地震、津波に幾度となく見舞われてきた日本、この列島に住む私たちは、天が下す災いにも恵みにも等しく受け容れてきた。その時間は、身の回りの小さな世界にも自然の源泉、宇宙の摂理を感じ、生命の循環を汲み取る心を感じ取る心を密やかに育くんでくれた。自らの中に流れる生命循環を感じ、宇宙との融和に想いを馳せたい。 瀧本幹也

The Prix Pictet Japan Award, inaugurated in 2015. In the 3rd cycle, 8 photographers, Takashi Arai, Ai Iwane, Susumu Okada, Mikiya Takimoto, Kenji Chiga, Shinichiro Nagasawa, Nao Nakai, and Yoshinori Mizutani, exhibit on the theme Fire and Water. Mikiya Takimoto portrays Fire & Water in 13 works including FLAME / SURFACE and SNOW MOUNTAIN plus one other work, En Sô Shin (“circle - phase - mind/spirit”), which he created out of inspiration by enso-zu calligraphic works, following the idea in Zen Buddhism of symbolically representing enlightenment, truth, Buddha-nature, and the whole cosmos, as a circle. Prix Pictet Japan Award (Tokyo)　＜CHAOS＞We live in a moment of universal time. The closest celestial body to us is this earth, which we humans think we own. I made my way to a crater, to investigate the phenomenon of a volcano spewing out energy from inside the earth. There I witnessed the phenomenon of blue fire, of ceaseless jets of sulfur gas.This immature 'fire', produced by a celestial body that failed to become a star for lack of mass, continued to glow, fragile, a pallid bluish color. It appeared as if it were a nebula, a cluster of stars. The scale is different, one micro the other macro, but you could say they are both essentially the same: light created by the natural processes of celestial bodies. The earth's distance from the sun, its temperature, and its atmosphere miraculously caused it to be suited to the existence of life. Oceans formed on earth about four billion years ago, then after an eternity, primitive life forms came into being in the seas. Eventually marine organisms moved onto land and evolved into mammals, including humans. Then 2,500 years ago, the Buddha meditated under the Bodhi tree in Bodhgaya, India, attaining enlightenment. Bodhidharma, his 28th generation disciple, became the founder of the Zen school. Zen was then introduced to Japan 800 years ago, its teachings resonating deeply with us Japanese. A single drop of rain causes little ripples, they form circles, rise, and merge together, eventually spreading out to the ocean... We who live on this archipelago Japan, hit countless times by volcanic eruptions, earthquakes, and tsunamis, have welcomed and accepted these disasters equally with the blessings bestowed upon us by the heavens. That time has surreptitiously nurtured my heart to feel, to comprehend the cycles of life, feel the providence of space, the sources of nature, even in the small world around me. I want to ponder on harmony with space and feel the cycles of life coursing within myself. Mikiya Takimoto

PARIS PHOTO 2021 Stand C32

『藤井保 瀧本幹也 往復書簡　その先へ』 2019年6月からMA2 galleryの発案で、師弟関係にある藤井保と瀧本幹也による、写真を交えた電子メールの往復書簡が始まりました。そのやりとりは2年半にも及び、その間様々な環境の変化が起こり、その中での意見や想いが、これまでじっくりと交わされてきました。激動の社会情勢に直面しながらも、真摯に写真と向きあい往復書簡は粛々と続けられてきました。本展示では、その往復書簡をベースにふたりの写真が静かに呼応し合う内容を展示。1階では、過酷な大自然の環境で捉えられた作品が展示されます。2階に上がると、藤井と瀧本の今だからこそ伝えたいメッセージ写真が繰り広げられます。そして、3,4階ではこの展覧会のために、ふたりが選んだポラロイドをひとつのフレームの中に組み合せた作品と、往復書簡のやり取りから生まれた、ふたりの組み写真で構成されます。ふたりが出会って29年、ここに師弟を超えた写真展がうまれました。

We are holding the exhibition “Tamotsu Fujii, Mikiya Takimoto, Ofukushokan, Sono Saki e” (“Tamotsu Fujii, Mikiya Takimoto, Correspondence, and Beyond”). Following a suggestion by MA2 Gallery, Tamotsu Fujii and Mikiya Takimoto, teacher and student, began corresponding and sharing photographs by email in June 2019. The correspondence lasted two and a half years as they shared at length their opinions and thoughts in response to each other, while various changes went on around them. Although faced with a tumultuous social situation, they went about their photography seriously and managed to quietly continue corresponding. This exhibition makes accessible to viewers the unruffled photographic responses to one another emanating from their correspondence. Exhibited on the first floor are works captured amid harsh natural environments. Spread out on the second floor are photographs carrying messages Fujii and Takimoto are intent on making, all the more so given the current times. On display on the third and fourth floors are works created by combining Polaroid photos selected by the two artists into single frames, as well as photographic montages by the two emanating out of the exchanges in their correspondence, especially for this exhibition. Twenty-nine years since the two met, here is a photography exhibition that goes beyond the teacher-student relationship.

「 photography & us #002 」写真を手に入れ、写真を飾る「日常の中で身近にアートを感じて貰いたい」という想いから、手に取りやすい価格で作品を購入することができるという、新たな視点での展開で好評をいただいた「photography & us」の第二弾を開催。市橋織江は、写真集『TOWN』より厳選し、２枚で構成したプリントのセットを。瀧本幹也は、坂本龍一とルイ・ヴィトンが育んだ「ルイ・ヴィトンの森」を撮影した写真集『LOUIS VUITTON FOREST』から、森の四季を様々な表情から感じ取れる作品を。藤井保は『hinism』に掲載された、ハレアカラ山（マウイ島に位置する楯状火山）の静かな力強さを写し出した作品と、渡邉良重（KIGI）とのコラボレーションプリントを。藤田一浩は、撮影に訪れた海外の街角で目にした風景を、藤田独特の視点で切り取った作品を。広告界を中心に活躍する4人の写真家の、作家としての目線を存分に感じる展示になりました。OFS gallery (Tokyo)

“photography & us #002” is the second edition of “photography & us”, which received good reviews for expanding on a new outlook, one that enabled the purchase of photographic works at affordable prices and came out the desire “for people to get a close-up experience of art in their everyday lives” by purchasing photographs and putting them on display. Orie Ichihashi contributes sets of prints each comprising two carefully selected works from her photography collection TOWN. Mikiya Takimoto contributes works that put you in touch with various visages of the forest through the four seasons, and that were selected from his photography collection LOUIS VUITTON FOREST, photographs of Louis Vuitton’s Forest, a project brought to reality by Ryuichi Sakamoto and Louis Vuitton. Tamotsu Fujii contributes works that portray the quiet power of Haleakala (a shield volcano on Maui island) and were included in “hinism” as well as prints created in collaboration with Yoshie Watanabe (KIGI). Kazuhiro Fujita contributes works that capture a scene he spotted on the streets of a foreign country he visited to take photographs from his unique perspective. The exhibition gives us a powerful sense of their perspectives as artists, four photographers whose work centers on advertising.

隈研吾展 『新しい公共性をつくるためのネコの5原則』東京国立近代美術館にて開催。世界各国に点在する隈作品の中から公共性の高い68件の建築を、隈氏が考える5原則「孔」「粒子」「斜め」「やわらかい」「時間」に分類され展示。建築模型や写真やモックアップ（部分の原寸模型）、映像作品、前庭に展示されるトレーラーハウスを合わせ、合計74件で展開。章解説や作品解説はすべて隈氏本人によるもの。また、藤井光や瀧本幹也など第一線で活躍するアーティストによる映像作品、隈建築をさまざまな観点から見られる空間のほか、360度VRなどの体感要素、さらに、ネコの視点から都市での生活を見直すリサーチプロジェクト《東京計画2020ニャンニャンネコちゃん建築の5656ゴロゴロ原則》（Takramとの協働）も発表。高知県西部の山間にある小さなまち梼原町に、初期から最近作まで6つの隈建築が存在する。瀧本は環境や文化に溶け込むように設計された高知県梼原町の6つの建築群をモノクロで撮影した映像作品を出品。4Kによる映像インスタレーションに坂本龍一氏の音楽が重なる。これまで高知県立美術館・長崎県美術館と巡回してきた展覧会よりさらに規模を大きくし、３台の４Kプロジェクターで背面投影をするという初の試みを行った。宙に浮いて見える段違いのスクリーンは隈建築の代表的な手法でもあるルーバーの要素にもみてとれる。映像作品と共に撮影された写真作品も３点展示。東京国立近代美術館 　　隈研吾展 『新しい公共性をつくるためのネコの5原則』 (Tokyo)

The Kuma Kengo Exhibition – Five PURR-FECT POINTS FOR A NEW PUBLIC SPACE is showing at The National Museum of Modern Art, Tokyo. The exhibition features 68 architectural works with strong public impact by Kuma Kengo located around the globe and are categorized under Kuma’s five principles "hole," "particles," "oblique," "softness," and "time." The exhibition comprises 74 works in all, including architectural models, photographs, mock-ups (partial full-scale models), video works, and a mobile home on display in the forecourt. All commentaries on the sections and Kuma's works are by Kuma himself. The exhibition also presents video works by Hikaru Fujii, Mikiya Takimoto, and other leading artists; various spaces offering different perspectives on Kuma’s architecture; as well as experiential elements like 360-degree VR, plus a research project that reinterprets urban life from a cat’s perspective: “A Plan for Tokyo, 2020: Five Purr-fect Points for Feline Architecture,” (in collaboration with Takram). Six of Kuma’s architectural works, including some early works and some more recent works, stand in Yusuhara, a small town in the mountains of western Kochi Prefecture. And the exhibition includes monochrome video works by Takimoto on the group of six architectural works in Yusuhara which are designed to meld into the town’s environment and culture. A 4K video installation plays music by Ryuichi Sakamoto with the video. The exhibition is even larger than the previous exhibitions at The Museum of Art, Kochi and Nagasaki Prefectural Art Museum, and is the first time three 4K projectors are being tried out for rear projection. Stepped screens appear to float in the air, mirroring the louvers typical of Kuma's architectural style. Also on display are three photographic works shot together with the video work.　The National Museum of Modern Art, Tokyo 　　KUMA KENGO:FIVE PURR-FECT POINTS FOR A NEW PUBLIC SPACE (Tokyo)

隈研吾展 『新しい公共性をつくるためのネコの5原則』 高知県立美術館に続き長崎県美術館へも巡回。静謐な建物が現地の風の音、鳥の声も含めた一体感を奏でる時間を演出。 隈研吾展 (Nagasaki)

Kuma Kengo Exhibition – Five PURR-FECT POINTS FOR A NEW PUBLIC SPACE The exhibition moves from The Museum of Art, Kochi to the Nagasaki Prefectural Art Museum. His tranquil buildings render moments in time that produce a sense of unity with the space, including the sounds of the breeze and the bird song in those places.

隈研吾展 『新しい公共性をつくるためのネコの5原則』 日本政府が推進する日本博事業の一環として実施される隈研吾氏の大規模な展覧会。「孔」「粒子」「やわらかい」「斜め」「時間」という隈氏が考える5原則によって分類された上で、模型や写真やモックアップによって紹介される展示。藤井光、津田道子、マクローリン兄弟、瀧本幹也が映像作品で参加。瀧本は、隈氏が1994年から関わっていたプロジェクトの高知県梼原町の建築群を撮影し映像作品として出品した。 KUMA KENGO:FIVE PURR-FECT POINTS FOR A NEW PUBLIC SPACE (Kochi)

Kuma Kengo Exhibition – Five PURR-FECT POINTS FOR A NEW PUBLIC SPACE A large-scale exhibition by Kengo Kuma as part of the Japan Expo programs being promoted by the Japanese government. It features designs categorized under five principles conceived by Kuma –"hole," "particles," "soft," "oblique," and "time"– and presented as models, photographs, and mockups. Hikaru Fujii, Michiko Tsuda, the McGloughlin brothers , and Mikiya Takimoto participated with video works. Mikiya’s video work was on Kuma’s architectural works in Yusuhara town, Kochi Prefecture, a project Kuma has been involved in since 1994. KUMA KENGO:FIVE PURR-FECT POINTS FOR A NEW PUBLIC SPACE (Kochi)

TOKYO CURIOSITY 2020 『東京好奇心2020 渋谷』 写真作品を通して「今という時代に向き合って欲しい」という思いから生まれたプロジェクト『東京好奇心 2018-2020』。パリとベルリンでの展覧会を経て、東京 Bunkamura ザ・ミュージアムにおいて100人の写真家たちによる展示。写真家の眼差しを通してみる東京＝好奇心。東京好奇心 4つのキーワード アイデンティティ（個）を追求すると、その先にダイバーシティ（他）が自ずと見えてくる。自分を語る、他者を読み解く IDENTITY & DIVERSITY。この瞬間”生きていること”の素晴らしさに思いを馳せる。ここで、今、生きるということ HERE AND NOW。時代を超えて継承すべきもの。写真家たち独自の表現方法を通して「普遍的な価値」を読み解く。写真表現の多様性。忘れてはいけない大切なこと、時空を超える美 TIMELESSNESS。約200点の写真作品、映像作品が好奇心を揺さぶる展示。瀧本はLOUIS VUITTON FOREST #01、LOUIS VUITTON FOREST #39、映像作品 SURFACE 2017 Video Installation 出品。 TOKYO CURIOSITY 2020 (Tokyo)

TOKYO CURIOSITY 2020 – Shibuya TOKYO CURIOSITY 2018-2020 is a project that emerged out of the idea, "I want you to face the here and now," through photographic works. The exhibition featuring 100 photographers came to The Museum, Bunkamura, Tokyo after opening in Paris and Berlin. Curiosity = Tokyo seen through the photographer's eyes. Tokyo Curiosity’s four keywords – IDENTITY & DIVERSITY: When you pursue IDENTITY (the individual), DIVERSITY (others) will then make itself known to you. Talk about yourself, read and understand others. HERE AND NOW: Let your mind dwell on the wonder of “what it is to be alive” at this moment. Here, now, being alive. TIMELESSNESS: Things that should be passed on, going beyond time. Read and understand "universal values," mediated by the distinctive expression of each photographer. Diversity of photographic expression. Important things that must not be forgotten, beauty transcending time and space. An exhibition comprising about 200 photographic and video works to stir curiosity. Mikiya showed LOUIS VUITTON FOREST #01, LOUIS VUITTON FOREST #39, and his SURFACE 2017 Video Installation.

「ゼラチンシルバーセッション参加作家によるファインプリント展」 ダゲレオタイプがフランスの特許を取得して初めてカメラが市販されるようになってから180年が経ち、20年ほど前からはデジタル機材が主流になりつつある中、写真の歴史の大半を支えてきた銀塩（ゼラチンシルバー）写真を追求し続ける活動をしている写真家たち。フィルムで撮影し暗室作業によって作品を制作、またその楽しさや面白さを後進にも伝えたい、フィルム、印画紙など欠かすことのできない感材の生産を守っていきたいと考えた広川泰士氏、瀧本幹也ら4名の写真家が2006年に“ゼラチンシルバーセッション”プロジェクトとして展覧会やワークショップなどを始め、活動を重ね、2019年に開催した10回目の展覧会とイベントでは賛同写真家が50名を超え、銀塩写真文化を幅広く発信。ゼラチンシルバーセッション参加作家9名（小林紀晴、嶋田篤人、百々俊二、中藤毅彦、西野壮平、広川泰士、村越としや、若木信吾、瀧本幹也）によるファインプリント展（47点・すべてモノクロ）。今回の展示のための撮り下ろした作品もあり、銀の粒子による豊かな階調の中に独自の世界観、多様性をモノクロにより表現した展示。 瀧本は2020年のコロナ禍で撮影した新作「Between」を発表した。JCII FINE PRINT (Tokyo)

Gelatin Silver Session Participating Artists Fine Print Exhibition One hundred and eighty years have passed since the daguerreotype process was patented in France and cameras first became available to the public, and it is about 20 years since digital cameras started becoming mainstream. Yet photographers continue their pursuit of silver halide (gelatin silver) photography, which has sustained the art through most of its history. Four photographers, including Taishi Hirokawa and Mikiya Takimoto, decided they wanted to use film and darkroom techniques to create works, as well as to pass on to younger photographers the fun and interesting aspects of the process, preserving production of the essential materials, including film and photographic print paper. So, since they started running workshops and exhibitions called the Gelatin Silver Sessions in 2006, they have continued working on this project. In 2019 their 10th exhibition and event attracted over 50 supporting photographers and brought the culture of silver halide photography to a wide audience. This Fine Print Exhibition (47 works, all monochrome) features nine Gelatin Silver Session participating artists (Kisei Kobayashi, Atsuto Shimada, Shunji Dodo, Takehiko Nakafuji, Sohei Nishino, Taishi Hirokawa, Toshiya Murakoshi, Shingo Wakagi, and Mikiya Takimoto). It includes works especially shot for this exhibition and gives monochrome form to their expressions of diversity and their distinctive world views in wide-ranging tone gradations, provided by the silver particles. Mikiya unveiled a new work, Between, which he shot in 2020 during the COVID-19 pandemic.

『TIMELESSNESS 〜Dialogue between Photography and Music』 東京画 TOKYO-GA TOKYO CURIOSITY 2020 世界各地での新型コロナウイルスの感染拡大により様々な展示やイベントが中止や延期せざるをえない中、新たな発信として無観客の展示会場で2020年5月27日 写真と音楽を融合させたイベントを開催。アートドキュメント「時間を超えて」写真と音楽の対話　展示に写真家 広川泰士/公文健太郎/大和田良/菅原一剛/鋤田正義/セリーン・ウー/ギュンター・ツォーン/瀧本幹也で参加。瀧本は南極大陸を撮影した7連の作品とSURFACEの映像作品を展示。第一室（人間の時間）、第二室（歴史の時間）、第三室（地球の時間）に展示された写真作品を前で、ヴィオラ奏者/指揮者の音楽家 大山平一郎、音楽家/ギタリスト 平岡遊一郎の演奏家が奏でる音楽との融合が実現。 TOKYO CURIOSITY 2020 TIMELESSNESS (Tokyo)

"TIMELESSNESS - Dialogue Between Photography and Music" TOKYO-GA TOKYO CURIOSITY 2020 While all sorts of exhibitions and events have had to be canceled or postponed due to the spread of Covid-19 around the world, a new kind of event combining photography and music was held on May 27, 2020 at an exhibition venue with no audience. It was the art document "TIMELESSNESS" Dialogue Between Photography and Music with photographers Taishi Hirokawa / Kentaro Kumon / Ryo Ohwada / Ichigo Sugawara / Masayoshi Sukita / Celine Wu / Guenter Zorn / Mikiya Takimoto participating in the exhibition. Mikiya Takimoto exhibited a series of seven photographic works on Antarctica and the video work SURFACE. The event combined music performed by musicians Heiichiro Ohyama (violist/conductor) and Yuichiro Hiraoka (guitarist) in front of photographic works exhibited in Room 1 (Human Time), Room 2 (Historical Time), and Room 3 (Earth Time).TOKYO CURIOSITY 2020 TIMELESSNESS (Tokyo)

第12回 恵比寿映像祭　MA2Gallery（恵比寿）にて開催の地域連携プログラム　木村恒介・瀧本幹也・藤井保　「時間」を視ることはできるだろうか？　藤井保の「人為・静」、瀧本幹也の「自然・動」2人の個性がコントラストを際立たせる、写真家による映像作品。写真を使い、時空が交差する作品を制作する現代美術家の木村恒介。捉えられた「時間」から広がる私たちの想像をテーマに展示された。

I’m participating in the regional cooperation program held in the MA2 Gallery in Ebisu, as part of the Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions 2020. A joint exhibition by KIMURA Kohsuke, myself, and FUJII Tamotsu, we ask the question, “Is it possible to see time?” Fujii and I, the two photographers, are both exhibiting video installations — the “artificial & static” nature of Fujii’s work providing a sharp contrast with the “nature & motion” of my own. Kimura, a contemporary artist, has used photographs to create works where space and time intersect. Perhaps our interpretation of time will spark the imagination of viewers.

Unseen Amsterdam 2019がオランダ アムステルダムにて開催。現代写真のためのアートフェア。2012年Foam写真美術館が設立、会場はWestergasfabriek、8年目を迎える2019年は各国から53のギャラリーが参加。Galerie Clémentine de la Féronnière（Paris）のブースにて2018年開催した個展『CHAOS』の作品をベースに、『Le Corbusier』、『GRAIN OF LIGHT』、『LOUIS VUITTON FOREST』の作品とともに、Unseen Amsterdam に初参加した。

Unseen Amsterdam 2019, held in Amsterdam, Netherlands. An art fair for contemporary photography. Foam Photography Museum set it up in 2012, the venue was Westergasfabriek, with 53 galleries from various countries participating in 2019, the 8th edition. I participated in Unseen Amsterdam for the first time with works mainly from the 2018 CHAOS solo exhibition at the Galerie Clémentine de la Féronnière (Paris) booth together with works from Le Corbusier, GRAIN OF LIGHT, and LOUIS VUITTON FOREST.

GELATIN SILVER SESSION 「藤井保　広川泰士　平間至　瀧本幹也」ーすべてはここからはじまったー「銀塩写真表現を次の世代へ残したい」という思いで集まった写真家4人( 藤井保、広川泰士、平間至、瀧本幹也 )が、オリジナルプリントを展示し、銀塩写真の素晴らしさと奥深い美しさを広く伝えるために合同で写真展を開催したのは2006年。当時お互いの撮影したネガを交換して、4人それぞれの解釈でプリントを仕上げる試みをおこなった。1枚のネガから焼き手の解釈の差で作品が変貌し、それぞれが興味深いプリントとなり写真展は好評を博した。その後、市場ではフイルムが減少しつづけることになったが、この活動や写真展は継続的に行われ、本展と同時期にAXIS Galleryで開催された『第10回 GELATIN SILVER SESSION 2019』では、賛同する写真家も50人以上となり拡がりをみせ、若手写真家の中には銀塩写真の再ブームの兆しもみえた。本展では、その貴重な第1回目のネガ交換しあってプリントした作品と、さらに4人の代表的な作品も展示。瀧本幹也は『Le Corbusier』のシリーズから未発表作を加えた9点の作品を展示した。FUJIFILM SQUARE (Tokyo)　展示作品に寄せてーー『ラ・トゥーレットの修道院の礼拝堂には、光の大砲と呼ばれる筒状の開口部から光が降り注ぐ。鮮やかな色に塗り分けられており、視点を変えると立体にも平面にも見える。理性的で機能性が考え尽くされたル・コルビュジエのデザインには惹かれるところがあった。フラットな面構成や合理的なモデュロールの提唱、いずれも刺激的な考え方だ。名建築に挑むとき、見慣れた外観を撮るだけでは物足りないため、彼が描いた絵画のように幾何学的形態をなぞるように撮影した』ーー瀧本幹也

Four photographers (Tamotsu Fujii, Taishi Hirokawa, Itaru Hirama, Mikiya Takimoto) who got together with the shared desire “to keep silver-halide photography alive into the next generation” exhibited their original prints and held a joint exhibition so that as many people as possible could discover the wonder of silver-halide photography and the depth of its beauty. That was in 2006. They also experimented by exchanging their negatives with each other, then producing prints, each according to his own interpretation. From one negative, each work was transformed by the differences in each photographer’s interpretation into fascinating prints, and the exhibition was received very favorably. Over time, film has continued to disappear from the market, but they have continued with these projects and exhibitions. At the 10th GELATIN SILVER SESSION 2019, held at AXIS Gallery at the same time as this exhibition, we saw the number of photographers sympathetic to the cause swell to 50, and we saw signs of another boom in silver-halide photography among young photographers. This exhibition features the works printed from those cherished negatives they exchanged in that first experiment, along with representative works by the four. Mikiya Takimoto exhibited nine works including unpublished works from his Le Corbusier series. He had this to say about the exhibited works. “In the chapel of the Convent of La Tourette, light pours down from the openings of cylinders, called ‘light cannons.’ Being painted in various vibrant colors, it appears both 2D and 3D when you change your viewpoint. There were parts where I was enchanted by Le Corbusier’s rational design, which features functional thinking right down to the last detail. His flat layouts and logical Modulor proposal are both exciting approaches. When I try my hand at architectural masterpieces, it’s not enough to just shoot familiar outside views, so I photographed the convent as though tracing my finger over geometric forms, like the pictures Le Corbusier painted.” Mikiya Takimoto

ゼラチンシルバーセッション賛同写真家のうち39人が、モノクロフィルムFUJIFILMネオパン100 ACROSを使って直近に撮りおろした最新作を展示した合同展。ゼラチンシルバーセッションの展示と連携し、銀塩写真の原点であるモノクロフィルムを使用。　銀塩写真を次の世代へつないでいくことを目的とし活動を続けて13年。銀塩写真の原点を見つめ直すモノクロフィルムの展示は、今後を見据えまた先につないでいく一歩となりえる。参加写真家は、池田裕一、井津由美子、稲垣徳文、井上佐由紀、薄井一議、Bruce Osborn、片桐飛鳥、勝倉崚太、叶野千晶、草野庸子、操上和美、小瀧達郎、小林 昭、小林紀晴、小林伸一郎、小林真梨子、嶋田篤人、菅原一剛、瀬尾浩司、田尾沙織、瀧本幹也、百々 新、百々俊二、百々 武、中野正貴、中藤毅彦、中道 淳、ハービー・山口、蓮井幹生、平間 至、広川泰士、広川智基、藤井 保、藤塚光政、水越 武、村越としや、森本 美絵、山内 悠、若木信吾　FUJIFILM SQUARE (Tokyo)

Thirty-nine of the Gelatin Silver Session approved photographers jointly exhibited their latest works, recently shot on FUJIFILM Neopan 100 ACROS monochrome film on request from their publishers. Working with the Gelatin Silver Session exhibition they used monochrome film, the starting point for silver-halide photography. We have been working continuously toward the goal of ensuring silver-halide photography is taken up by the next generation for 13 years now. This monochrome film exhibition re-examines the starting point for silver-halide photography, it focuses on the future and is, we hope, another step bringing us to that future.

2006年より活動がスタートした『ゼラチンシルバーセッション』10回目となる写真展。「100年後に残したい写真」をテーマに50人の写真家が撮り下ろし作品を展示。GSS 2019 　　AXIS (Tokyo) 　展示作品に寄せて『リヨン郊外ソーヌ川で、他愛もない日常に出会った。100 年後の世界を思い浮かべてみた。文明の進化をよそ目に、彼らにはきっと現在と同じ時間が流れているのだろう。それは堪らなく羨ましく尊くも思えた。写真は時間を止め光を焼き付ける、そして時空を越えて記憶される。FILM で写真を撮るとき、そんな時間差を意識することが多い』ーー 瀧本幹也

This photography exhibition is the 10th of the GELATIN SILVER SESSION exhibitions, a project launched in 2006. It brings together works requested by the publishers of the 50 photographers on the theme “Photos we want to leave for the people in 100 years.” Mikiya Takimoto had this to say about the exhibited works. “I came across a trifling, everyday scene by the Saone River in the suburbs of Lyon. I tried visualizing the world in 100 years’ time. Leaving the development of civilization aside, I thought time must surely flow then in the same way it does for us now. I felt awe, envy, and preciousness. Photographs stop time, searing in the light, and they are remembered beyond space-time. When I shoot photos with film, I often become conscious of that time difference.” Mikiya Takimoto

TOKYO CURIOSITY 2019 Berlin 東京画 TOKYO-GA TOKYO CURIOSITY ベルリンでの展示に参加。ベルリン・東京 友好都市締結25周年記念行事。パリに続きベルリンでも、価値観と規範を問いただす。自然・文化・宗教・習慣・生活、DIVERSITYを表現する作品として映像作品を展示。TOKYO-GA (Berlin)

Participated in the TOKYO-GA TOKYO CURIOSITY Berlin exhibition. Event celebrating the 25th anniversary of the Berlin-Tokyo sister city relationship. Following on from Paris, I interrogate values and norms in Berlin. I exhibit video works as works expressing nature, culture, religion, customs, everyday life, and DIVERSITY.

ART PARIS 2019 パリのグラン・パレにて20カ国から150の現代美術を取扱うギャラリーによるフェア。2019年は過去最高46の個展を開催。その内の１つとしてGalerie Clémentine de la Féronnière（Paris）にて開催した個展『CHAOS』の作品をベースに、『LOUIS VUITTON FOREST』『Le Corbusier』の作品を加えART PARIS に初参加した。

ART PARIS 2019 is an art fair bringing together 150 modern art galleries from 20 countries in the Grand Palais, Paris. In 2019, 46 solo exhibitions were held, the most ever. One of them was my exhibition at ART PARIS, which was based on works from my solo exhibition "CHAOS" held in 2018 at Galerie Clémentine de la Féronnière, in Paris, with additional works from my"LOUIS VUITTON FOREST"and"Le Corbusier"exhibitions.

New Printing - 色紙と多色印刷の可能性 - 銀座 蔦屋書店と青幻舎との共同企画により製作した限定オリジナル作品集『mikiya takimoto colors』を竹尾 見本帖本店にて展示。印刷用紙として多色印刷に使われることが少なかった色紙に、特殊印刷による可能性と価値を追求した作品集の出版を記念して開催された。作品集の完成に至るまでおこなわれたアートディレクター 矢後直規氏とプリンティングディレクター 熊倉桂三氏による複数回のやりとり、その印刷技術の極みと職人技が垣間みれる制作過程を紹介する内容となった。また矢後氏による新規グラフィックを紙の色ごとの刷りわけを分析的に展示した。印刷で表現できない深みのある色合いの色紙を用いた写真表現への新しい取組みと挑戦となる展示。New Printing

New Printing – The Possibilities of Color Paper and Multicolor Printing – Limited edition original collection “mikiya takimoto colors”, a joint project by Ginza Tsutaya Books and Seigensha, exhibited at Takeo Mihoncho Honten. The exhibition was held to celebrate publication of this collection of works which pursues possibilities and values through specialized printing on color paper – rarely used as printing paper in multicolor printing. The works tell us about the creative processes leading up to completion of the collection with numerous interactions between Mr. Naonori Yago, Art Director, and Mr. Katsumi Kumakura, Printing Director, and they give us a glimpse into the heights of their printing skills and artisanship. This novel form of graphic art by Mr. Yago, the printing differentiated by paper color, was also analytically displayed. This exhibition presented initiatives and new challenges in photographic expression using color paper, which offers coloring with depth that cannot be expressed in everyday printing.

『建築X写真 ここのみに在る光』東京都写真美術館のコレクションと共に建築をテーマとして撮影された、11人の写真家の作品を展示。渡辺義雄、石元泰博、原直久、奈良原一高、宮本隆司、北井一夫、細江英公、柴田敏雄、二川幸夫、村井修、瀧本幹也。被写体となる建築は、アントニ・ガウディや丹下健三、ル・コルビュジエをはじめ、だれもが一度は耳にしたことのある著名な建築家が設計した建築から、1950年代の日本の民家や香港の九龍城砦、自然の地形を巧みに利用した中世の山岳丘上都市など、建築家の名前が残っていないものまでさまざまです。現存しない建築や実際に見ることが不可能な建築を、ダイナミックに目の当たりにできるのも、建築写真ならではの醍醐味。それらの作品は写真家のユニークな視点によって普段は気づきにくい側面や細部をあぶり出し新たな魅力が表現されています。写真家が建築を撮るときに感じた「光」を追体験する展示。建築X写真 ここのみに在る光

An exhibition of photographic works taken by 11 photographers on the theme of architecture, together with works from the Tokyo Photographic Art Museum collection. Yoshio Watanabe, Yasuhiro Ishimoto, Naohisa Hara, Ikko Narahara, Ryuji Miyamoto, Kazuo Kitai, Eiko Hosoe, Toshio Shibata, Yukio Futagawa, Osamu Murai, and Mikiya Takimoto. The architecture in the photos varies widely, from designs by architects whose names everyone has heard at least once, above all Antoni Gaudi, Kenzo Tange, and Le Corbusier, to designs by architects whose names have been forgotten, including traditional Japanese houses from the 1950s, Kowloon Walled City in Hong Kong, and medieval hilltop cities that use the natural terrain with ingenuity. Real pleasure afforded only by architectural photography, photos dynamically revealing before your eyes architecture that doesn’t exist, architecture that is actually impossible to see. These works are expressions of a new fascination from the photographers’ unique perspectives, bringing to light facets and intricacies normally unnoticed. An exhibition offering vicarious experiences of light sensed by these photographers at the moment they photograph the architectural works. Architecture x Photography A Light Existing Only Here

『TOKYO CURIOSITY Paris』東京画 TOKYO-GAは、2018年1月渋谷Hikarieでの展示を皮切りに、３年をかけ渋谷 - パリ - ベルリン - 東京と各国を巡回。TOKYO CURIOSITY - 4 Keynotes - IDENTITY / DIVERSITY / HERE AND NOW / TIMELESSNESS 東京の、または現在の日本の様々な部分が垣間見える渋谷。大きく変化していくうねりのようにも見える人の流れ。徐々にかたち・見え方をかえる街。東京画の写真家たちによる東京のユニークな魅力と可能性が表現された。その中でアイデンティティを象徴する山田祐基氏の一日一枚自画像を描き重ねる「重我像（じゅうがぞう）」作品と共に、瀧本幹也はダイバーシティを象徴した「SURFACE 2017」映像作品を上映し、同じ空間で展示することにより相対する方向から現在の東京を透かし見せた。TOKYO CURIOSITY PARIS

TOKYO-GA started with an exhibition at Shibuya Hikarie in January 2018 and is traveling overseas from Shibuya to Paris then Berlin and back to Tokyo over three years. TOKYO CURIOSITY - 4 Keynotes - IDENTITY / DIVERSITY / HERE AND NOW / TIMELESSNESS: Shibuya offers glimpses of various aspects of Tokyo, and contemporary Japan. The streams of people look like dramatically transforming undulations. It’s a place that gradually changes its forms and looks. The exhibition gave expression to Tokyo’s unique appeals and possibilities, through the eyes of the TOKYO-GA photographers. Among the works were Jugazo (“layered self-portraits”), a work by Yuki Yamada that represents IDENTITY by superimposing self-portraits, one taken daily, and the video work SURFACE 2017 by Mikiya Takimoto representing DIVERSITY. By exhibiting in the same space, their works offered penetrating vision of contemporary Tokyo, from opposite directions. TOKYO CURIOSITY PARIS

『1パーセントの細部 プリンティングディレクターの仕事 Ⅱ』プリンティングディレクター熊倉桂三氏の書籍・印刷に関わる仕事を紹介する展示に参加。熊倉氏と作り上げた写真集「CROSSOVER」の中から5点 厳選して展示した。

Joining an exhibition presenting work involved in books and printing by Printing Director, Mr. Katsumi Kumakura. An exhibition of 5 works selected from CROSSOVER, the photography collection created with Mr. Kumakura.

たった12の『CROSSOVER』 ラフォーレミュージアム原宿にて展示した作品を、TOBICHI2の1階と2階、さらにTOBICHIの「すてきな四畳間」に場所をうつしTOBICHIらしい展示空間を生かして「広告写真・作品・CM・映画」の4つのフィールドを多面的に展開。たった12の『CROSSOVER』展

Only 12 CROSSOVER exhibition. Works exhibited at LAFORET Museum Harajuku are presented on 1F & 2F at TOBICHI 2, then shifting venues to TOBICHI’s “beautiful 4-tatami-mat room” for a multifaceted exploration into 4 fields – advertising photography, art works, commercials, and film – making the most of this typical TOBICHI exhibition space.

『SHIJIMAをみる』静寂・沈黙・無言。四人のアーティスト（マッツ・グスタフソン、瀧本幹也、松原健、尹煕倉）の作品からそれぞれのしじまをみる。

Stillness – Quiet – Silence. See stillness depicted in the works of four artists (Mats Gustafson, Mikiya Takimoto, Ken Matsubara, and Heechang Yoon).　

ゼラチンシルバーセッション第9回目のテーマは「ポートレイト」 フイルム撮影を表現の一つとして、写真家48名による撮りおろし作品の展示。シャッターが開かれ、光が焼きつけられる。フィルムが巻き上げられる間、遮光幕が閉じられ露光することは出来ない。ポートレートを撮るとき、フィルムのコマとコマの間には神秘的な時間が流れている。その間さえも撮ってしまいたいという欲求に似た衝動に駆られることが度々ある。その想いを果たして写すことが出来ているのか解らない。神秘的な時間に戻れないからこそ、フィルムの写真を通して埋めることに強く惹かれている。GSS 2017

The theme for the 9th Gelatin Silver Session was 'portraits.' This exhibition features original works by 48 photographers using film photography as one artistic medium. The shutter opens, and the light is burned onto the film. As the film advances, the shutter closes and exposure ceases. When taking a portrait shot, a mysterious moment exists in the instant between the frames. We frequently burn with an urge akin to the desire to capture that moment on film as well. But one can never be sure if they have achieved that goal. It is the impossibility of returning to that mysterious time that strongly attracts you to fill in the gaps with photographs on film.

『日日是美日』 アートと工芸の境界を超え８人のアーティスト(赤木明登、牛島孝、瀧本幹也、田中潤、林みちよ、樋口明宏、平田五郎、山元規子)による作品展示。　　MA2 Gallery (Tokyo)

Exhibition of works by 8 artists (Akito Akagi, Ko Ushijima, Mikiya Takimoto, Jun Tanaka, Michiyo Hayashi, Akihiro Higuchi, Goro Hirata, Noriko Yamamoto) that transcends boundaries of art and craft.　　MA2 Gallery (Tokyo)

「ART PHOTO TOKYO -edition zero-」の特徴は、対象をファインアートに限らず、ファションやコマーシャルフォトグラファーの作品も含め、すべてを並列に扱う点にある。世界トップクラスのギャラリーやアーティスト、ファッションフォトグラファー、コマーシャルフォトグラファー、写真・映像作家約60名が集結しての展示。日本カルチャーの中心都市である“TOKYO”から、最新アートを世界に向けて発信すべく、写真のみならず、写真と映像のコラボレーション作品など、ジャンルレスなアート作品が多数展示された。アジアのクリエイティブのハブとなるアートフェアを目指していく。フイルムの持つ情報を最も鮮明で忠実な状態を表現するコンタクトプリントの展示で参加。

ART PHOTO TOKYO edition zero is special in that it is not limited to only fine art and displays works in fashion, commercial photography, and more all side by side. This exhibition features pieces from around 60 world-class gallerists, artists, fashion photographers, commercial photographers, other photographers, and filmmakers. With the aim of introducing new art from Tokyo that is the heart of culture in Japan to the rest of the world, numerous ‘genreless’ art works are exhibited, including not only photography, but also photo-video collaboration pieces. The focus of the exhibition is to be an art fair that is a hub for creative artists in Asia. Participates with contact print display that presents the information contained in film the most vividly and faithfully.

ゼラチンシルバーセッション2015年「撮りおろし競作」と2007年「ネガ交換」の作品で再び構成。入江泰吉記念奈良市写真美術館での巡回展。GSS 2016

This show was composed of works from 2007's "nega exchange" and "competitive photos" from the Gelatin Silver Session 2015 in Tokyo. It was a traveling exhibition at the Irie Taikichi Memorial Museum of Photography Nara City.　GSS 2016

ゼラチンシルバーセッション第8回目のテーマは「撮りおろし競作」。参加写真家が二人一組となり、それぞれが決めたテーマで作品を撮り下ろす。市橋織江 x 瀧本幹也「gradation」を展示。「写真に対する想い。それを突き詰めて考えて行くと、紙に定着されたものが単純に好きなんだと思う。印画紙だったり印刷物だったり、紙の質感の上に面のイメージがある。物としてそこに存在している紙への想いなのかもしれない。今回は膨大なイメージを内包した本のエッジを切りとり、情報をデジタル的に可視化させたような写真が撮れないものかと試してみた」ーー 瀧本幹也　GSS 2015

The theme of the Gelatin Silver Session 2015 was competitive photos. Participating photographers were paired off in groups of two and each took images of a set theme. Orie Ichihashi and Mikiya Takimoto worked together to present "gradation". "My feelings towards photography. When I start delving into this topic, I think what it comes down to is that I simply like seeing things fixed on paper. Whether it's photographic printing paper or just regular printing paper, you still have an image set down on the texture of the paper. It may be that I feel something for paper as it exists as an object. This time we shot the edges of books that contain massive images and experimented with what we thought were digital visualizations of information that you can't take in photos." - -Mikiya Takimoto　GSS 2015

第1回目のゼラチンシルバーセッションから7年が経ち、さらに銀塩写真市場の縮小が進むなか、『SAVE THE FILM』を掲げた第7回目のゼラチンシルバーセッション。今回は参加写真家による未発表の作品を展示。また生誕100年記念特別展示として植田正治のオリジナルプリントも展示。GSS 2013

7 years had passed since the first Gelatin Silver Session, during which time the silver salide photography market shrank even further. So, the theme of the seventh Gelatin Silver Session was "Save the Film". The exhibit consisted of unreleased images by the participating photographers. This displays the original print of Shoji Ueda as memory special display for centenary of the birth.

本とは手に収まる大きさにもかかわらず、その中には果てしない小宇宙が秘められていて、私たちを魅了する。“ 本 ”をテーマに9名のアーティストたちが独自の解釈で創作された作品を展示。 瀧本幹也は自身が所有している写真集やアートブックを積み上げて撮影した作品を発表した。それらの本から少なからず影響を受けている。本の断面をデジタル的な情報イメージの様に見せつつ、情報の蓄積ともいえる“ 本 ”を原寸大で再現した。

We have always been fascinated by the way books contain an infinite microcosmos while still fitting in the palm of our hands. This exhibition consisted of 9 artists' original interpretations of books. Mikiya Takimoto presented a piece made by stacking his photo collections and art books. This influenced him in then recreating a full-sized "book" that could be said to be an accumulation of images.

参加メンバーも大幅に増えた6回目となるゼラチンシルバーセッションのテーマは「ベストプリント」。国内外で注目を集めている写真家51名がベストプリントを求め暗室に籠り奮闘する。ベストプリントというものを、どのように捉え表現するか。　GSS 2012

The sixth Gelatin Silver Session, themed "Best Prints", saw a dramatic increase in the number of participants. 51 of celebrated photographers from Japan and abroad offered interpretations of how they present their best prints.

日本のファッション写真を世界に発信し紹介する企画グループ展。石川次郎氏を選考責任者として迎え、日本を代表する編集者、ファッションやアート関係者が9名の写真家を選出し写真作品を選んだ。世界からみて独自の進化を続ける日本のファッションが納められた写真を、アートギャラリーの集まるニューヨーク、チェルシーエリアにある hpgrp GALLERY NYにて9月のニューヨーク ファッションウィークに合わせて展示された。

This was a project exhibition meant to share Japanese fashion photography with the world. Images depicting the unique ongoing evolution of Japanese fashion were shown in New York, the center of the photography scene.

『 写真本 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 』の発売を記念したグループ展。1日を1時間ごとに24分割し、現代の日本を代表する写真家がその時間の東京を撮影。それぞれの写真は、写真家による私的な時間表現だが、時が経つにつれ、その時間性が徐々に浮き出し、いつか見た者自身の2010年のある日のイメージに重なるのではないか。また開催を記念して同名タイトル写真集も出版された。

"photo book 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24" The photo exhibition which commemorated the sale which is so. Each day was divided into 24 hours, and some of Japan's most iconic photographers filmed Tokyo during each of these hours. While the images depicted each photographer's personal expression of time, as time passed the temporal nature gradually rose to the surface so that they began to resemble images of a day the viewer saw themselves in 2010. That was the nature of the experiment.

5年目となるゼラチンシルバーセッションの今回のテーマは「代表作」。写真家として世の中から認められた写真や、仕事として注目を集めたもの。自分自身を変えた１枚など。写真家33名がそれぞれの解釈で捉え表現した「代表作」が発表展示された。また後世に多大な影響を残した稲越功一や植田正治、写真の教科書とも言えるアンセル・アダムスのオリジナルプリントも特別展示した。GSS 2010

The theme of the fifth Gelatin Silver Session was "iconic works". This includes photos that earned one recognition in the world as an artist as well as client work that has received acclaim, images that changed one's life and career. 33 photographers displayed their iconic works that they believed represented this. This displayed a photograph of Koichi Inakoshi and Shoji Ueda who left great influence in history and Ansel Adams who could say with the textbook of the photograph in particular.

デジタルカメラ全盛の時代の中、「The Future is Analogue」をスローガンに掲げユニークなフィルムカメラを紹介するロモグラフィーと、次世代に銀塩写真フィルムを残す活動を行うGSSのコラボレーション企画。ロモグラフィーがプロデュースするフィルムカメラを用いて、写真家がそれぞれの作品を展示。瀧本幹也はピンホールカメラのDIANA MULTI PINHOLE OPERATORを使用し針穴を開けるところの写真を撮影した。参加写真家は、石塚元太良、笠井爾示、川辺明伸、櫛本美絵、操上和美、小林紀晴、小林伸一郎、鋤田正義、瀬尾浩司、瀧本幹也、中野正貴、M.HASUI、ハービー・山口、平間至、広川泰士、広川智基、藤塚光政、本城直季、宮原夢画、山本哲也。GSS 2009

This was a collaboration project between Lomography, which introduces unique analog film cameras in the age of the digital camera under the motto of "The Future in Analogue", and Gelatin Silver Session, which works to preserve silver salide film for the future generations. The photographers presented images taken using special film cameras produced by Lomography. Mikiya Takimoto used DIANA MULTI PINHOLE OPERATOR of a pinhole camera. The picture which opens a pinhole was taken. A participation photographer is Gentaro Ishizuka, Chikashi Kasai, Akinobu Kawabe, Mie Kushimoto, Kazumi Kurigami, Kisei Kobayashi, Shinichiro Kobayashi, Masayoshi Sukita, Hiroshi Seo, Mikiya Takimoto, Masataka Nakano, M.HASUI, Herbie Yamaguchi, Itaru Hirama, Taishi Hirokawa, Tomoki Hirokawa, Mitsumasa Fujitsuka, Naoki Honjyo, Muga Miyahara and Tetsuya Yamamoto.

坂本龍一が発起人である森作りのプロジェクト「more trees」のチャリティーグループ写真展「 TOUCH WOOD 」。more treesは、坂本龍一氏が著名人の賛同を得て「more trees = もっと木を」というメッセージとともに、森づくり活動のプラットフォームになることを目的として2007年に設立したプロジェクト。国内外での森林整備をはじめ、植林、森林保全、森林に由来するカーボンオフセットサービスの提供を行っている。本展は、more treesの活動に賛同する写真家たち（井上佐由紀、上田義彦、瀧本幹也、田島一成、長島有里枝、naki、新田桂一、M.HASUI、平間至、広川泰士、松江泰治、MOTOKO、森住卓）による「 森 」をテーマにしたグループ展。作品は、森林から出る間伐材の需要を広げるという意図のもと、間伐材を使用したフレームに収められ展示、販売され、売り上げの一部は国内外の森林育成活動費に還元された。

"TOUCH WOOD" was the charity photo exhibition of the forest-building project "more trees" started by Ryuichi Sakamoto. Sakamoto launched the project in 2007, obtaining celebrity endorsements to help spread the message with the goal of creating a platform for forest-building activities. Aside from forest development in Japan and abroad, the project provides afforestation, forest conservation, and carbo offset services originating in the forest. The theme of this exhibition was "forests", and if featured work by photographers ( Sayuki Inoue, Yoshihiko Ueda, Mikiya takimoto, Kazunali Tajima, Yurie Nagashima, naki, Keiichi Nitta, M.HASUI, Itaru Hirama, Taishi Hirokawa, Taiji Matsue, MOTOKO and Takashi Morizumi ) who support the more trees cause. All of the images were displayed in frames made from timber obtained from thinning in order spread demand for wood originating in this process. All of the proceeds from photo sales went to fund forest cultivation activities.

3年目となるゼラチンシルバーセッションの活動は、さらに写真家の数も増え26名の参加となった。また今回は写真文化の存続を願う活動に賛同した各界の著名人15組をゲストに迎え、その活動は大きなうねりになりつつある。瀧本幹也は坂本龍一、深津絵里と共にコラボレーション作品を制作した。溶岩が流れ出た後の再生過程をきりとった写真作品に、坂本が地球の内なる鼓動を感じる楽曲を添えた。また深津を被写体とし制作された作品では、原初的な大判カメラを捉えた写真を敢えてデジタル的なピクセルをイメージして表現した。しかしその制作方法は極めてアナログで、暗室で色を厳密に調整したプリントを1枚ずつ手で切って貼り込まれ制作された。3484枚の写真群で構成されている。また『写真家の視線を探る』と題された、コンタクトプリントとそこからセレクトしたプリントも同時に展示された。GSS 2008 　「昨今凄まじい勢いでデジタル化の波が押し寄せてきています。確かに便利ですが、物体としての存在感が希薄でなにか寂しくもあります。写真プリントという物体が残っている事は、つまり自分が写真とともに生きてきた証でもあるのです。昔のサービスプリントには当時のものであろう小さな指紋までもが残っていました。そういった思い出は、写真特有の文化です。フィルムを絶やさず次の世代に残していける様、この活動は続きます。」ーー瀧本幹也

The third Gelatin Silver Session featured a larger number of supporting photographers than before, 26 in total. This year also involved 15 celebrated guest participants from various industries who endorse activities the continued existence of photo film culture and had a great impact on the event. Mikiya Takimoto collaborated with Ryuichi Sakamoto and Eri Fukatsu. The piece paired a photo capturing the regenerative process after a lava flow with music by Sakamoto that conjures up the inner pulse of the Earth. The piece featuring Eri Fukatsu as a subject featurings a photo taken with a primordial large format camera expressed as an image of digital pixels. The production method extremely analog, with each print prepared by hand in a darkroom to preserve the color. The final piece is composed of 3,484 photos. The title of the exhibition was "Exploring photographers' perspective", with contact prints and selected prints from among them on display. " The wave of digitalization is advancing at an incredible pace today. This saddens me a bit because, while it does make things more convenient, digital photography feels a bit lacking in terms of substance. The fact that photographic prints exist as objects is a sort of proof that they lived alongside me. My old prints even have traces of myself on them like small fingerprints. These kinds of memories are a culture unique to photography. I will continue doing projects like this so that film won't die out and will be around for future generations to enjoy." - -Mikiya Takimoto

銀塩写真の衰退、その風潮に投じられた一石はゆっくりと波紋を広げ、ゼラチンシルバーセッション賛同写真家が16名にまで膨らんだ。メンバーを2名1組に分け、互いのネガを交換しプリントし合った。また『 時を経ても残るもの 』と題された写真家自身が選んだ、深く思入れのある1枚も展示した。GSS 2007 　「 写真の世界では急速なデジタル化の波によってフィルムの存続自体が危ぶまれています。レコード針などは小規模な工場でも作り続けることが可能ですが、フィルムを製造するという事はハイレベルな塗布技術や徹底したエマルジョンの品質管理が必要なのです。世界的に言っても2〜3社しか作れないということがそれを証明しています。一旦製造を休止すると二度と再開する事が出来ないのです。確かにデジカメは便利で撮ったらすぐ見ることができます。プリントしなければお金もかからないしカメラも薄くて軽い。しかしフィルムで撮られた写真とデジタルとを比べるとフィルムの方が作者の思いや感情、その場の空気など数値化できないなにか大切なものが写し込める気がします。写真表現のひとつの手段でもあるフィルムをなくさないよう今回の展覧会がなにかのきっかけになる事を願います。」ーー瀧本幹也　

The ripples of Gelatin Silver Session, a project designed to fight the decline of silver salide photography, have slowly spread, with this time seeing the number of participants rise to 16 artists. The photographers were paired off, with the members of each group developing each other's negatives. Each photographer was then allowed to select and show a single image that meant a great deal to them in keeping with the theme "Things that remain after the passage of time". "The wave of digitalization that is sweeping the photography scene at such a rapid pace has put the very existence of film in danger. While it's possible to continue making other analog implements like needles for record players in smaller factories, film requires advanced coating techniques and thorough emulsion quality control. This has been proven by the fact that only two or three companies in the entire world can make it. If production stops even once it won't be possible to get it started again. Digital cameras are certainly convenient and allow one to see the image right away. As long as you don't print it there is no cost involved, and the cameras are slim and light. However, when a digital photo is compared to one taken on film, I feel that film captures the photographers thoughts and emotions, the atmosphere of the location - precious things that cannot be digitalized. My hope is that this exhibition will help us keep film available as a means of photographic expression." --Mikiya Takimoto

+81 10th Anniversary 「biishiki」グループ展をニューヨークのチェルシーEsso Galleryにて開催。日本人特有の感性は潜在意識の中に共通して存在している。クリエイションにおいて根源となる感性 ー それを美意識と捉え日本を代表して8名の写真家や作家、クリエイターが発信した。

+81's 10th Anniversary "biishiki" exhibition was held at the Esso Gallery Chelsea in New York. There is a unique sense of things that exists within the conscious of all Japanese people. Eight artists and photographer presented their idea of "biishiki", or this sense that lies at the root of creativity.

銀塩写真でしか味わえない魅力を伝え、その技術やフィルム、印画紙を次世代に残すための活動。世界的なカメラ技術のデジタル化により、急速なスピードで縮小される銀塩写真の市場規模。それに危惧を感じ、写真文化の奥行きを支えてきた銀塩写真の素晴らしさを、多くの人に知ってもらおうと、立ち上がった4人の写真家（広川泰士、藤井保、平間至、瀧本幹也）によるセッション。そのゼラチンシルバーセッション第1回目。個人作品と写真家各自の自信のネガを、4人で交換しあってプリントしたものを展示しフィルムの魅力を探る。 　GSS 2006

Gelatin Silver Session is a project meant to share the unique charms of silver salide photography and in doing so preserve its techniques, film, and printing paper for the next generation. The worldwide spread of digital cameras has shrunk the market for silver salide photography at an incredible pace. Feeling misgivings over this, four photographers (Taishi Hirokawa, Tamotsu Fujii, Itaru Hirama, Mikiya Takimoto) have taken a stand to spread the word about the greatness of the silver salide photos that have supported the progression of camera culture for so long. The result is this first Gelatin Silver Session. The exhibition consisted of personal work and favorite negatives the four worked to print together.